Mirar e Ver

Heartbeat - Nan Goldin

2012-02-09T17:53:00.006-02:00

Enquanto passeava na abertura da exposição Heartbeat (MAM RJ), fiquei procurando os motivos que levaram o trabalho de Nan Goldin a ser proibido em outro centro cultural da cidade. A censura e a proibição são sempre assustadoras, ainda mais para nós que já passamos por isso há pouco tempo.

Confesso que não encontrei os tais motivos.
De fato, revi o trabalho de uma fotógrafa que consegue tão grande intimidade com seu(s) fotografado(s) que faz da câmara um objeto completamente ôrganico (hibridizado) à cena capturada.
Cheguei à conclusão de que Nan Goldin fotografa pessoas em estado-de-vida, ela quer capturar os afetos (agrados e desagrados) que movem seus parceiros de cena.
Há erotismo? Há. Há genitálias à mostra? Há. Mas aí está a assinatura de Goldin: o erotismo e o sexo explícito estão em consonância com os afetos das pessoas.
Levo-me a crer que talvez seja isso que incomode tanto, num país onde mantemos a moral por um fio (dental).
Em tempo: a exposição Heartbeat fica em cartaz até 08 de abril.

Criolo

2012-02-06T12:17:00.007-02:00

Criolo
Nó na orelha
Circo Voador
04/02/2012

Porque vergonha para um homem
é não ter caráter e se passar por artista.

Não precisa morrer para ver Deus
Não precisa sofrer para saber o que é melhor pra você.

Fique atento irmão,
quando te oferecem o caminho mais fácil

Onda para na pedra / Pedra não segura mar
Quem segura mar é lua / Num agrado pra Iemanjá

Aqui ninguém vai pro céu.

A propósito de Senhorita Julia

2012-01-26T16:30:00.005-02:00

Em seu drama naturalista Senhorita Júlia, August Strindberg tematiza as diferenças sociais e como tais distâncias são amenizadas e/ou inflamadas pelo desejo erótico-afetivo no tecido social e em suas relações interpessoais. O autor usa os jogos implícitos às relações (de poder) amorosas como artifício cênico e ficcional da ação das personagens.
Na peça A propósito de Senhorita Júlia, José Almino e Walter Lima Jr. conseguem adaptar ao Brasil contemporâneo a disputa do desejo (erótico e hierárquico) entre patroa e subalterno. Tudo se passa na noite da vitória de Lula à presidência: êxtase dos movimentos sociais que lutam contra a naturalização das desigualdades.
E isso promove uma série de possibilidades ao texto e à ação dramática: do foco sobre certa invisibilidade da desigualdade à explicitação e reiteração de posições sociais, passando pela inadequação entre discurso e atitude.
O som da festa de comemoração dos empregados da casa de Júlia é o pano de fundo da maior parte da peça. É lá, fora dos olhos da plateia, que Júlia (filha do patrão) e Moacir (motorista) dançam juntos no meio do povo. "Hoje estamos todos festejando, sem distinção de classes", diz a Júlia de Strindberg com eco na Júlia de Almino e Lima Jr. Aliás, o som da festa - sempre em off - atravessa e quer atrapalhar as ações em cena.
"Eu me criei olhando para cima sem saber como chegar lá", diz Moacir (Armando Babaioff). "Não consigo ter paz enquanto não caio lá embaixo. No chão", diz Júlia (Alessandra Negrini). Ambos representando a atração e a repulsa do desejo: a tensão entre "um lado carente dizendo que sim e a vida gritando que não", como diria a canção.
Em cena, a beleza física e a gestualidade corporal de Alessandra Negrini suplanta sua voz pequena, correta à suposta ingenuidade de Júlia, enquanto o timbre vocal firme de Armando Babaioff alça voo aos movimentos cênicos acanhados de Moacir. Ambos no perfeito equilíbrio do par sempre em instável que o texto pede. Isso sem esquecer de Cristiane (Dani Ornellas) a outra ponta firme do triângulo.
A cenografia de José Dias funciona na intenção de mostrar como, no Brasil, a rua se imiscui em questões pessoais. E o figurino (Angèle Fróes) e a iluminação (Daniel Galván) se harmoniza no espaço criado.
Controle e liberdade armam o labirinto por onde as personagens transitam. Ninguém parece querer assumir as responsabilidades sobre si, sobre seus desejos, minando o rancor e a amargura que afastam e permitem os contatos íntimos do quarto à cozinha e vice-versa.
Sem contornos fixos, "sem características linear", diria Strindberg, às personages é permitido refletir e refratar uma gama enorme de emoções contraditórias e complementares. Tesão, tensão e insatisfação alimentam gestos, atos e omissões.
Sem dúvidas, a excelente adaptação do texto - com todos os fios muito bem trançados - é o ponto alto e o motor de A propósito de senhorita Júlia. Uma grande peça em cartaz no Teatro Nelson Rodrigues até 12 de fevereiro de 2012.

O Brado Retumbante

2012-01-22T16:07:00.005-02:00

O Brado Retumbante é uma fogueira de ressentimentos e recalques. São tantos deslizes e passos atrás no avanço das questões que tangem desigualdade social e dignidade no Brasil que chega a meter medo.
Para colar-se ainda mais ao modelo norte-americano de séries e filmes que tem presidentes como protagonistas, O Brado Retumbante transfere (ou divide) a sede do governo para o Rio de Janeiro e suas locações neoclássicas, facilitando os movimentos estonteantes e grandiloquentes das câmeras, a iluminação heróica e os enquadramentos sofisticados. Além, claro, de com isso exorcizar o recalque em relação à mudança - ainda hoje engasgada e mal resolvida - da capital federal do Rio para Brasília.
Nada mais conservador. Mas Paulo Ventura é blogueiro, dá voz à primeira dama preocupada com a educação do país e tem um filho transexual. Pronto. A cota de "ousadia" e mudernidade da série está posta. De resto, somente reforça a teledramatúrgica mitologia dos bastidores do poder. Nenhuma novidade ou originalidade. Ah, sim: o excesso de ministros e um senador poderoso dão um clima de contemporaneidade(!) e uma fresta de realidade(!) à trama.
Chupada da personagem que Carlos Vereza interpretou na novela O rei do gado, mas deslocada e adaptada às intenções de um novo contexto sócio-histórico, a personagem do ótimo ator Domingos Montagner precisa da sombra (quase) ninfomaníaca para não cair de vez no clichê do macho político honestíssimo.
Mas é na beleza e na elegância (aí sim) retumbantes de Maria Fernanda Cândido que o texto montado minimetricamente para nublar as discussões sobre "liberdade de imprensa" (o que é isso mesmo, no Brasil?), preconceito linguístico (reforçado pelo sotaque nordestino em alguns - os de comportamento mais reprováveis - dos inúmeros ministros herdados por Paulo Ventura), o fato das boas intenções serem bloqueadas pela máquina administrativa e a atuação de ONGs encontra a melhor tradução e respaldo para aproximar-se e ser docemente aceito pelo público.
Onde está o brado repúdio à avalanche desmoralizadora em que vive as esferas do poder? Invertendo, ridicularizando e/ou deturpando as premissas e os empenhos ideológicos dos movimentos sociais, o texto referenda o discurso ressentido de quem não admite a emergência social e, consequentemente (ou não), a perda - ou fragmentação - de poder.
Ipsis litteris, podemos ouvir espalhadas na fala de algumas personagens da série, mas condensadas na voz de Antonia (Maria Fernanda) as queixas de quem não está (será?) mais no poder e ironiza - com requintes de sofisticação (o ponto alto do texto) - a ideologia de quem tenta desmontar verdades absolutas historicamente construídas e disseminadas.
Paulo Ventura torna-se presidente do Brasil por acaso. Muito embora a posição que lhe permite chegar a tal cargo - presidente da Câmara dos Deputados - seja o resultado da manipulação daqueles que ele mesmo quer combater: os corruptos (palavra que parece que entrou a pouco tempo no vocabulário brasileiro). Mas comentar o fato do presidente e do vice serem vítimas do mesmo acidente aéreo faz tanto sentido quanto o acidente em si.
Aquarelada de forma divertida e colorida, como sempre, dos cabelos pintados de preto como a asa de graúna ao comportamento caricato e coronelista de políticos, a vida nos bastidores do poder é um eterno gerador de polêmicas e de risos. Tudo rasamente assimilado e analisado. Mas, afinal, O brado retumbante é uma obra de ficção. E é feito para queimar ressentimentos.

Rio São Francisco - Um rio brasileiro

2012-01-18T09:57:00.005-02:00

Um teto de peixes multicoloridos feitos de garrafas plásticas recepciona os visitantes que chegam ao mezanino do Palácio Gustavo Capanema, onde tem lugar até o dia 10 de fevereiro a exposição Rio São Francisco - Um rio brasileiro.

Quatorze ambientes montam o interior do vapor Benjamin Guimarães, auxiliando na navegação de um dos rios mais cantado e importante do Brasil.

Desde "Mapa" e "A foz do rio", onde monóculos mostram algumas cidades que margeiam o Chico e um vídeo de Ronaldo Fraga explica a proposta da exposição, até "O Chico e o caixeiro viajante", feito com malas, uma velha cama suspensa - onde descansa uma roupa já usada - e vídeos, a multiculturalidade banhada pelo São Francisco é tematizada de diversas formas e meios, longe do didatismo chato.

A pujança e a agonia, o viço e a quase-morte do São Francisco e de sua gente - crenças, sabores e cantos - são lembrados tanto em "Lambe-lambe das lendas", quanto em "A voz do Chico", passando por "O gosto que o Chico tem" e "Cidades submersas".

No primeiro ambiente, o estilista Ronaldo Fraga arma ilustrações para as lendas que povoam a imagética ribeirinha. No segundo vestidos "falantes" (Maria Bethânia declamando Drummond) e abraçáveis despertam o afeto físico dos sons. "O gosto que o Chico tem" estetiza os mercados, seus cheiros e sabores. E "Cidades submersas" - talvez a instalação mais impactante visualmente - jogos de luz e sombra com espelhos, projeções e maquetes representam lugares já habitados e que cederam a vez às barragens.

Há ainda que se falar de "Memória e devoção", onde a religiosidade e a saudade estão acesas na parede repleta de fotos mal iluminadas (turvas como a memória) e nos ex-votos pendurados.

A interatividade também está presente quando o visitante é levado a desenhar na grande lousa circular que forma o ambiente 10 "De gota em gota se faz o mar" - um útero a lembrar que "dentro do mar tem rio" - e em "Pescaria".

Cada ambiente, peça, traço, bordado, trançado utiliza a cultura e busca fotografar a alma ribeirinhas. Ronaldo Fraga parece atento a cada pequeno gesto e gosto daquilo que compõe a mitologia do Chico.

A execução da exposição é digna de nota. Curador lúcido, o estilista impregna tudo com tons e cores necessários à produção de presença. Traduz e transfere signos para celebrar o (sempre) velho/novo Chico.

As mimosas da Praça Tiradentes

2012-01-16T13:17:00.007-02:00

Há tempos venho pensando na importância de travestis e transformistas para a construção e manutenção das memórias cancional e cultural brasileiras. O empenho cênico (dramático) e afetivo (amoroso) destes artistas com suas musas e divas ampliam nossas leituras e entendimentos daquilo que entendemos por "viver de arte e de arte viver".

E são tantas as bidus, chiquinhas, rúbias, carmens, ângelas, elizetes, bethânias (re)coroadas infinitamente em interpretações personalíssimas e dignas de notas!
Em cartaz no Teatro Carlos Gomes, As mimosas da Praça Tiradentes, além de contar - entre o didático e o vivencial - a história da Praça tema, e seus arredores, um dos núcleos forte e definidor da formação cultural do Brasil, onde surgiu o teatro brasileiro, é o desenho exato de que enquanto os homens exercem seus podres poderes [transformando teatros ora em centro de arrecadação de dinheiro em nome de um Deus separatista, ora em estacionamentos], índios e padres e bichas, negros e mulheres e adolescentes, vedetes e estrangeiros e ciganos fazem o carnaval-Brasil: abrem os pulmões do país.
Com um texto (Gustavo Gasparani e Eduardo Rieche) cheio de colagens, citações e arremedos do cotidiano próximo e mnemônico - o que facilita a empatia da plateia com a festa no palco - o musical As mimosas da Praça Tiradentes colore uma história atravessada por ciúmes, incêndios, vinganças, invejas e paixão: muita paixão.
Por falar em texto, merece destaque o desempenho deste na voz e no corpo de Milton Filho - a Catula de Montecarlo: a "cota" muito bem humorada e crítica afrodescendente do espetáculo.
A alegria e o tesão pelo fazer dos artistas em cena é outro ponto alto. Com Cláudio Tovar - nada melhor do que um Dzi Croquette para tal posto - como mestre de cerimônia, professor Lola , César Augusto (Tatá - Samantha Overbook), Gustavo Gasparani (Vânia - Vanilla Cherry), Jonas Hammar, Milton Filho e Marya Bravo purpurinam a imagética do público diante das personagens (demasiado humanas) em cena.
E o que é Marya Bravo em cena? Ela sempre surpreende com sua competência vocal, cênica, artística: uma diva dadivosa essa Marya Bravo. Aliás, a dúvida de gênero na montagem de sua personagem é o esplendor, como diria Lola, do jogo lúdico.
A direção segura de Sergio Módena e Gustavo Gasparani foca no brilho individual de cada personagem, engrandecendo o todo. Os diretores utilizam bem um cenário (Ronald Teixeira) que ora é bastidor, ora é palco para a movimentação de emoções.
O corpo de baile demonstra afinação e se hamoniza na trama, sob a direção do movimento de Renato Vieira. Os bailarinos-cantores Arthur Marques, Wallace Ramires, Thiago Pach, Pedro Arrais, Thadeu Matos e Paulo Mazzoni tencionam bem a luxúria e a malandragem (argamassa mítica da Praça) nos gestos corporais.
Os músicos - Nando Duarte (violão / guitarra), Itamar Assiere (piano), Pedro Mangia (baixo), Carlos César (bateria) e Dado (sopros) - entram na diversão e desempenham com entusiasmo suas funções.
As mimosas da Praça Tiradentes restitui tempos e espaços em que a palavra liberdade era mais do que um mero mote para teses ou grito de ordem politicamente correto. Aqui, liberdade é a festa interior e coletiva de cada um ser o que é: entre tropeços e avanços na vida. E só por isso merece ser visto. Mas As mimosas da Praça Tiradentes é mais. Bem mais. Confere dignidade e respeito às matenedoras da mitologia da praça: as mimosas.

Tono

2012-01-14T08:45:00.004-02:00

Tono
Som em 4 tempos
Sala Sidney Miller
13/01/2012

Sons de 2011

2011-12-31T12:15:00.015-02:00

Para quem curte, uma lista aleatória dos sons que (me) tocaram em 2011

e que continuarão (me) tocando em 2012 e depois:

Indivisível
José Miguel Wisnik

Com charme e paixão, elegância e delicadeza, José Miguel Wisnik presenteou à canção popular brasileira com um disco (duplo) cheio de metacanções - temas, melodias e vozes que se (auto)questionam e se (auto)explicam - no puro sabor do gesto de cantar canções. "As canções só são canções quando não são promessas", diz.

Micróbio do samba
Adriana Calcanhotto

Na sua singular valorização do dionisíaco, o sujeito feminino das canções deste disco quer afirmar a vida sem os compromissos afetivos que lhe faziam suportar - por amor - a onipotência do outro. Mais do que uma questão de gênero - de voz feminina (revanchista) no samba - há uma sonoridade cuja intenção é tocar - com sucesso - núcleos duros do ritmo carioca e nacional.

Nó na orelha
Criolo

Borrando a fronteira entre o sujeito cancional (a voz da canção) e o indivíduo social (a voz por trás da voz da canção), sem rancor esterilizante, Criolo sublinha que "Di Cavalcanti, Oiticica, Frida Kahlo tem o mesmo valor que a benzedeira do bairro". Tudo soma, tudo atravessa e é por ele atravessado. Um disco para o cânone da canção popular brasileira.

Ame ou se mande
Jussara Silveira

Há nas inflexões vocais de Jussara - nas nuances sutis nas alturas melódicas - um descompromisso (natural e espontâneo) comovente com aquilo que é dito, cantado. Jussara e sua voz nos arrastam para um campo onde somos amor da cabeça aos pés: desperta em nós a nostalgia da pura interioridade.

Liebe paradiso
Celso Fonseca e Ronaldo Bastos

Destacar aqui todos os sons sutis e suas articulações dentro de Liebe Paradiso é algo impossível e soa incoerente diante da grandeza da obra. É preciso ouvir: sem pressa, ao sabor dos sons, das vozes, do simples gesto - cada vez mais raro - de ouvir para ser ouvido.

Lira
Lirinha

Solo, mas permanentemente aceso pelo fogo encantado da canção popular, da cultura oral, Lirinha mantem o vigor de misturar mundos no mundo sonoro criado por ele. O delírio e a lucidez poéticas, que desde sempre acompanhou Lirinha, estão mais densos, concisos e pulsantes que nunca. Risco e controle estético no tom perfeito.

Oi! A Nova Musica Brasileira!
Diversos

Uma primorosa coleção do que de mais urgente e diverso está sendo feito em canção e música no Brasil. Muitos signos - de diferentes extrações - em rotação: festa dos vários modos de fazer som hoje por aqui. Alguns passadistas, outros interessantes.

Recanto
Gal Costa

Salvo engano, a canção "Autotune autoerótico" é síntese do disco Recanto. O verso que abre a canção - "Roço a minha voz no meu cabelo" - dá visualidade sonora à capa do disco: o rosto de Gal Costa em close-up e sua voz (assim, meio de lado) "fotografada" no instante exato em que roça o cabelo da cantora. Notas (vocais) e fios (de cabelo) elétricos a serviço do cantar. Outro disco para o cânone da canção popular brasileira.

A curva da cintura
Arnaldo Antunes, Edgard Scandurra e Toumani Diabaté

Gravado em Bamako, capital do Mali, e em São Paulo, o disco traz ótimas parcerias com arranjos híbridos que figurativizam o título do disco: festa de rítmos e culturas que tenciona e movimenta o corpo, sem deixar de tocar temas sérios nas letras. Entre os instrumentos, a kora de Toumani, óbvio, ganha destaque e cria clima malemolente, praieiro: (re)unindo África e Brasil.

Assis Valente não fez bobagem

Diversos

Capitaneada pela comprovada competência do pesquisador Rodrigo Faour, esta coletânea de registros raros presta uma delicada e mais do que merecida homenagem pelos 100 anos de alegria proporcionados por um dos nossos maiores e mais geniais crônicas da canção: Assis Valente.

A canção de 2011
"Paciência", com Elza Soares

http://youtu.be/x1NuEPdWSXk

É muito difícil reduzir 365 dias em uma única canção. Foram tantas e cada uma (ou muitas) para cada instante, gesto, encontro, despedida. Mas Elza Soares cantando "Paciência", de Lenine e Dudu Falcão, é avassalador. E merece meu registro aqui, como um voto no presente e uma aposta no futuro!

Rita Ribeiro

2011-12-12T13:42:00.005-02:00

Rita Ribeiro

Tecnomacumba

Teatro Odylo Costa Filho

09/12/2011

Amor confesso

2011-12-02T08:47:00.004-02:00

Se você quer assistir a uma peça de teatro em que a entrega e a qualidade técnica dos atores seja visceral - daquele modo cada vez mais raro, em tempos de peças cool - não deixe de assistir a Amor confesso, no Centro Cultural dos Correios.
Feita a partir dos contos de Arthur Azevedo, o que por si só já mereceria atenção, Amor confesso é de difícil definição e descrição no campo do gênero, tamanhas são as misturas felizes de possibilidades cênicas utilizadas: da comédia de costumes ao metateatro, passando pela opereta, entre outros.
Em Amor confesso há saudade - do Rio de Janeiro ingênuo do bonde elétrico - e contemporaneidade - das questões atemporais das parcerias amorosas - em equilíbrio certo: vibrante, solar, viçoso e risonho.
Tudo é emoldurado pelo diálogo direto com a plateia e pelos temas cancionais - postos em situações bem díspares do comumente consumido - facilmente reconhecíveis do grande público, o que intensifica a empatia.
Sobre a trilha sonora (direção musical de Marcelo Alonso Neves), ainda é preciso destacar a presença do pianista Roberto Bahal: um importante terceiro ator em cena dando melodia à movimentação das personagens interpretadas por Claudia Ventura e Alexandre Dantas.
Para que tudo isso aconteça com harmonia age a direção segura de Inez Viana pondo foco nos muitos recursos (vocais e físicos) e repertórios (cênicos) dos dois atores, facilitando o jogo e o embate lúdicos.
Os encontros e desencontros de toda parceria erótico-afetivas, fotografados na pena de Arthur Azevedo - em contos como "Como o diabo arma", "Vingança", "A melhor amiga" e "Incêndio do Polytheama" - dançam com canções como "A nível de" (João Bosco), "Errei, sim" (Ataulfo Alves) e "Futuros amantes" (Chico Buarque) numa festa que enriquece a arte e a vida.
Ou seja, a peça Amor confesso é construída e atravessada por referências literárias, cancionais, musicais e, claro, teatrais diversas. O resultado é uma festa íntima - do casal em cena às voltas com os minutos que antecedem a subida ao altar - e coletiva - do público que se vê diante de um grande momento do teatro brasileiro.
Amor confesso não responde (nem quer responder) para que, porque, por quem casar. Mas se as uniões da "vida real" tiverem um-terço da cumplicidade e do tesão que Claudia Ventura e Alexandre Dantas têm em cena, a vida a dois vale muito à pena.

DVD Sexo MPB

2011-12-01T12:10:00.004-02:00

Ficou mesmo muito difícil distinguir uma cantora de outra, tão parecidas são suas vozes e trejeitos ao cantar.
Felizmente temos pesquisadores atuantes e apaixonados por Canção Popular Brasileira como Rodrigo Faour, cuja vida tem sido dedicada a pescar pérolas. Algumas raríssimas, só percebidas por quem tem uma sensibilidade realmente forjada na pesquisa séria e na vivência entre a diversidade vocal brasileira.
Entre tantos trabalhos importantes, chamo atenção ao registro do prêmio-festa-show Sexo MPB recém lançado. Mostrando que o tesão não está apagado, como o "bom-gosto" de alguns críticos querem fazer crer, Faour reuniu no mesmo palco artistas de tempos, espaços e estilos diversos, a fim de celebrar e reconhecer o trabalho de cada um deles e suas tentativas bem sucedidas em manter a alta temperatura da canção feita no Brasil.
Gravado no Centro Cultural Carioca, no Rio de Janeiro, em setembro de 2010, o DVD Sexo MPB é um luxo para os ouvidos e olhos de todo interessado em canção. Com ar descontraído e clima de intimidade, que só Faour consegue entre seus convidados, os artistas passeiam e se alegram em cada cena.
Anárquico, porque feito para ser um encontro cheio de improvisos e viçoso, o DVD Sexo MPB aprecia cantores cujo brilho vocal ainda se mantem aceso, apesar de distantes dos holofotes midiáticos massivos.
É o caso de Lana Bittencourt, por exemplo, e sua voz rara em tempos de autotune.
Mas há muitos outros momentos singularmente belos e só passíveis de apreciação apenas neste DVD.
Manhoso fazendo "O modo de usar (Só capim canela)"; Alcione cantando "Sabiá Marrom", de Paul Mauriat, Pierre Delanoe, Totonho e Paulinho Rezende, lendo a letra, tanto tempo fazia do encontro da canção com a voz da cantora; Márcia Castro cantando - como só ela faz - "Vergonha", de Luciano Salvador Bahia; Eliana Pittman e seus floreios vocais em "Chuva", de Durval Ferreira e Pedro Camargo; Fernanda Abreu e sua carioquice intrínseca encarnando um blend paulista de Rita Lee; sem falar das Frenéticas desbundando com "É que nessa encarnação eu nasci manga, de Luli e Lucina; e da libido à flor da pele em Edy Star cantando "Claustrofobia", de Roberto e Erasmo Carlos.
E ainda tem Ângela Ro Ro, Toni Garrido, João Roberto Kelly, Eliana Pittman, Cláudia, Perla, Fátima Guedes, Pedro Paulo Mauta, Alfredo-Del-Penho, Márcio Gomes e Ademilde Fonseca.
O DVD Sexo MPB é um registro de importância inegável e cheio de tesão pelo objeto exposto: as canções e seus cantores, todos grandes artistas na mitologia da linha evolutiva de nossa canção popular.
Fico ansioso pelo próximo DVD Sexo MPB: um momento imprescindível emoldurado de muito tesão e afeto em que Rodrigo Faour lança luz sobre artistas que nunca deveriam ter saído do foco dos holofotes.

Obituário ideal

2011-11-29T14:06:00.001-02:00

O corpo destrinchado e autopsiado na TV, os vários close-ups no rosto do artista, do jogador, do indivíduo comum em busca da lágrima exata, os muitos apetrechos (externos) necessários ao gozo sexual e a vontade de ser curtido e seguido por um grande número de "amigos" são alguns sintomas de nosso tempo.
Radicalmente clara, verdadeira e, portanto, asséptica, a contemporaneidade engendra artifícios para burlar a anestesia do ânima que ela mesmo gera e alimenta.
O desejo, a pulsão, aquilo que nos move têm estado tão espalhado entre badulaques confortáveis e seguros que nossa especificidade tecnológica oferece que não sabemos mais o que de fato desejamos: o que nos faz rir ou chorar.
E é sobre esta disseminação, excesso, dispêndio, proliferação que vivem o sensasionalismo e o controle mercadológico e midiático. Ambos sempre a querer mostrar - com sucesso - onde está o desejo, limitando nossa capacidade de subjetivação.
Sempre descartável, frágil e escorregadia, em estado de espera-pelo-seguinte, sem ao menos dar tempo de viver o atual, temos vivido a exuberância do luxo (excesso) da pseudo fisicalidade.
Porque insensíveis, estamos a mercê de qualquer alma penada que nos ofereça uma fresta de amor, de calor, de medo, de fogo no motor (de riso e choro) da existência.
Feita show, a realidade resulta sendo mais-ou-menos o que nós queremos: finge suprir o instante e abri-nos à busca do gesto ideal, sustentando a fragmentação conveniente do desejo.
É sobre tais questões que a peça Obituário ideal trata: nossa exposição complacente e passiva a uma realidade meticulosamente montada.
Maria Maya e Rodrigo Nogueira representam um casal cúmplice na imersão na banalidade da violência e da intimidade - dos outros.
Atravessados excessivamente pelo exterior - locuções jornalísticas, jornais impressos - o texto (Rodrigo Nogueira) e a encenação de Obituário ideal sublinham a ação do casal que busca em velórios de desconhecidos o "choro grave", real - algo que se sinta, que ultrapasse a pele.
Impregnadas e movidas pelo exterior, as personagens, em um lance de espelho com a plateia, rejeita qualquer olhar para dentro. As investidas de perspectivação da vida feitas pontualmente pelo marido se diluem na incomunicabilidade. Assim como o amor e a dor.
Apático à brutalidade, porque exausto à repetição dela, o casal vai da incomunicação à afinidade, radicais.
O cenário de Aurora dos Campos e os figurinos de Gabriela Campos merecem destaque por emoldurarem com eficácia e beleza a vontade da peça em dizer que tais sentimentalidades (ou a ausência delas) são atemporais.
Com direção de Thiare Maia e Rodrigo Nogueira, Obituário ideal e seu embaralhamento de tempos, situações e desejos, tão caros ao público contemporâneo, é uma mirada risonha e corrosiva no espelho.

Judy Garland - o fim do arco-íris

2011-11-25T09:00:00.003-02:00

O musical Judy Garland - o fim do arco-íris trata do processo de apagamento de uma estrela. Uma estrela que já em O Mágico de Oz (aos 17 anos) dependia de "remedinhos" para dormir, acordar, cantar. Uma estrela que quer para além do possível brilhar até o último instante. E brilha.
"Não há nada pior do que você saber que pode fazer (encontrar a nota certa) e não conseguir", reconhece.
Talvez para justificar o título, dado pelo autor do texto Peter Quilter, a conhecida canção de O Mágico de Oz atravessa a peça como um fantasma a perturbar Judy e plateia.
Mas nem só de "Over the rainbow" vive a estrela. E são nos momentos de palco que o brilho de Judy se intensifica: seja no excesso de tesão, de alongamentos vocálicos e vibratos, seja na força de sua presença física luminosa e ácida, Judy transmuta-se em um assum-preto-star.
O cenário tem a função exata de sugerir a relação íntima entre o público e o privado - no lugar onde cada um é afetado pelo outro - nas ações da personagem diante da vida, da dependência de drogas, da arte.
O piano é o elo entre os dois ambientes (o palco e o quarto de hotel) tão comuns quanto estranhos à estrela ora lúcida, ora confusa orgânica e mentalmente. Cambiante dos humores, sendo "a volta por cima" de sempre.
E é neste trânsito que surge o trabalho cênico impactante de Claudia Netto no papel título. Caricata e realista, corrosiva e frágil, engraçada e mordaz, trêmula e segura, encurvada e ereta, tudo junto e ao mesmo tempo, Claudia permite à plateia a recepção de toda a potência da tempestade solar que Judy era. Ou ainda é, para alguns.
Aliás, outro mérito de Judy Garland - o fim do arco-íris é abordar a relação íntima entre a construção e manutenção de uma diva (o mito e a lenda) e a cultura camp. Basta recolher os significantes Garland absorvidos na montagem de uma figura como Nany People, por exemplo.
Não fica dúvida à importância que cada parte exerce na outra: "Eu poderia vomitar no colo de uma bicha que isso seria uma honra para ela", diz Judy. "Nós bichas enchemos o teatro para vê-la", diz Antony (Gracindo Júnior), seu pianista e fiel escudeiro contra entidades como Mickey Deans (Igor Rickli), noivo de Judy, por exemplo.
Elogiar Charles Möeller e Claudio Botelho já virou clichê. Porém, diante de tantas lascas de mediocridade em arte espalhadas por aí, reafirmar o cuidado e a paixão que os dois imprimem em tudo que fazem nunca é bastante.
Judy Garland - o fim do arco-íris não é biografia, mas uma pintura íntima daquilo que foram os últimos tempos da estrela, sua última temporada, seus derradeiros dias. Cores, luzes e sons a serviço da permanência da lenda-viva.

O Filho eterno

2011-11-24T10:40:00.001-02:00

A tradução intersemiótica, a adaptação de uma linguagem artístico-estética em outra não é tarefa fácil. Afinal, cada linguagem tem suas especificidades, é preciso respeitá-las, abrir um diálogo entre elas e, principalmente, traí-las.
Adaptar não é simplesmente transpor a prosa literária in totum ao palco, por exemplo. É mais: é descolar-se do objeto inspirador, traí-lo para que ele renasça e permaneça como sempre foi. É a promoção de um retorno em diferença.
A peça O Filho eterno é mais do que uma simples adaptação do livro de mesmo nome de Cristovão Tezza. O trabalho de Bruno Lara Resende, ao manter os núcleos-duros do texto literário, mas radicalizando-os no nível do convite ao esforço intelectual do espectador, já que o livro transmutou-se em um monólogo, é outro objeto.
Mantendo as vozes do texto literário, agora concentradas nas entoações do ator sozinho em cena, O Filho eterno, com aquilo que poderíamos redefinir como monólogo interno em voz alta rompe sua ligação com o outro O Filho eterno, o livro.
Agora são dois. Diferentes. Ligados pela memória do espectador-leitor, mas separados pela competência estética. Um dignifica e fortalece o outro: cada qual em seu campo de
presença.
E está no corpo e na voz de Charles Fricks a concretização do gesto adaptador. Consciente de seus recursos cênicos e das exigências do texto teatral, o ator põe as personagens para dançar ao ritmo do fluxo alucinado dos pensamentos de um pai-escritor diante do nascimento de Felipe - o filho e sua trissomia.
Sob a direção de Daniel Herz, que sabe figurativizar com exatidão texto e marcação, o jogo lúdico entre a primeira e a terceira pessoas do discurso, surge em cena o desenho de um sujeito mais filho do que pai. Que progressivamente aprende mais do que ensina. Ou melhor, equaliza ensino e aprendizagem na certeza de que "nenhum dos dois, pai e filho, tem a mínima ideia de como vai acabar. E isso é muito bom".
Politicamente incorreto e honesto o pai observa e participa - vivendo e aprendendo a jogar - da construção da subjetivação do filho, ao mesmo tempo em que reconstrói a própria subjetividade.
O Filho eterno é teatro que convida à revisão daquilo que tratamos sob os escudos da vergonha e da piedade.

4 faces do amor

2011-11-23T10:42:00.003-02:00

Em tempos de virtualidade dos afetos, de pseudo trocas de intimidades, de amores líquidos, quase nada duráveis, a peça 4 faces do amor canta que só o amor é real. "O amor é meu país", dirão as personagens.
Seja qual for a forma - e toda forma vale a pena - em que o amor se manifesta, é na razão de ser das parcerias que o amor se realiza. E, acima de tudo, é na vontade de ser que o amor é. Sem fórmulas. Mas em um exercício diário doloroso e gozoso. Afinal, "amar se aprende amando". E cada relação é única, plural e incopiável, está além da massificação dos manuais.
Para além das brigas e alegrias, absorvendo os pólos positivo e negativo, se há amor, há o equilíbrio das potências, a vontade de estar, de permanecer, de durar, de recomeçar.
Em 4 faces do amor, o texto, as letras das canções de Ivan Lins e as melodias encontram uma equalização raríssima em musicais.
Se normalmente as canções entram como comentários ou um show a parte - seja para mostrar o virtuosismo do ator/cantor, seja para enfatizar a grandiloquência cênica, resultando em intervenção fake -, em 4 faces do amor, há uma organicidade realmente surpreendente: como se aquilo não pudesse ser dito de outra forma senão cantado, ou falado, daquele modo.
E aqui merecem destaques tanto o texto de Eduardo Bakr, dono de um labor apaixonado e lúcido sobre o material cancional utilizado, quanto a direção musical de Liliane Secco.
Sem esquecer a direção geral de Tadeu Aguiar, responsável pelas marcações exatas: promotoras do jogo cênico e do embaralhamento saboroso das possibilidades do amor - o mesmo em várias faces.
O texto cria vozes plurais para o amor, permitindo a identificação do espectador com alguma das vozes, ao mesmo tempo em que efetua o deslizamento de uma voz a outra aprofundando o multifacetamento, a palheta infinita de cores, do afeto.
Inícios, meios, fins e recomeços atravessam a história, as canções, transbordam nas interpretações dos atores em cena e enchem o palco de festa, tesão e desejo de enfrentar o trabalho gostoso (agridoce) que só o amor - o desejo de colar para somar - pode proporcionar.
Há uma intimidade tão intensa entre as personagens, vinda do trabalho excepcional de Gottsha, Maurício Baduh, Adriana Quadros e Cristiano Gualda, que a plateia não pode ter outra reação senão o aplauso caloroso ao fim de cada ato, de cada cena.
Por falar em intimidade, talvez seja este outro ponto forte da peça. Luz, cenário, atuações, canções, texto, música, tudo conspira para que a emoção venha da variação dos sentimentos apresentados. Sem pieguismo, longe disso, com humor e tesão, a ênfase está no todo estético-amoroso.
Ceder ou não? Libertador e senhor, o amor está acima de rótulos, regras e leis. E em cena cada personagem é amor da cabeça aos pés: sonha e arde. Amar um alguém diferente por dia pode ser tão excitante quanto amar um mesmo alguém (com passado, problemas e saberes) por vários dias.
4 faces do amor é uma ode à vida, ao teatro. Uma oportuna possibilidade de discussão dos sentimentos contemporâneos.
4 faces do amor é a grande surpresa deste final de 2011. Um espetáculo imperdível.

Emilinha e Marlene - as rainhas do rádio

2011-11-22T08:04:00.002-02:00

"Quem sabe faz ao vivo", diz o apresentador de TV, em uma referência aos bons cantores, àqueles que têm no palco o mesmo desempenho que o público encontra no disco.
Em tempos de manipuladores vocais, e quando o show em si parece valer mais do que a voz do cantor, ao mesmo tempo em que as apresentações ao vivo parecem ser o melhor meio de sobrevivência frente à crise do produto CD, a competência vocal volta com força decisiva: um retorno insuspeitável ao pré-gravado.
Claro, um retorno-em-diferença, pois ninguém precisa mais se dividir entre um artista ou outro - a emergência de várias vozes promoveu o espaço para o plural nos gostos auditivos. E os desafinados também têm um coração.
Em um momento não muito distante, o valor dado ao cantor vinha quase exclusivamente da avaliação que o público fazia de sua performance. Sim, porque até os programas de rádio eram feitos ao vivo.
Para alguém menos familiarizado com a história de nosso cancioneiro, parece inimaginável que artistas como Emilinha e Marlene tenham conseguido seduzir tantos fãs num Brasil pré-youtube para facilitar a divulgação do trabalho.
O poder sirênico avassalador destas duas rainhas podem ser vivido por todo aquele que for assistir à peça Emilinha e Marlene - as rainhas do rádio.
Dignas de suas personagens, é preciso destacar os trabalhos corporal e vocal de Solange Badim (Marlene) e Vanessa Gerbelli (Emilinha). Bem como de todo o elenco.
Sob a direção correta de Antonio De Bonis, com o tesão posto naquilo que fazem, as atrizes honram duas de nossas maiores cantoras.
Temos uma trajetória cancional singular e superior, cheia de personagens carentes de ser recuperados do campo do esquecimento coletivo. Emilinha e Marlene - as rainhas do rádio é um prazer à memória, um luxo à vontade de manter acesa a chama de nossa história.
Com uma trilha solar, dirigida por Marcelo Alonso Neves, o espetáculo investe no bom humor e na ironia, vindos do texto de Thereza Falcão e Julio Fischer, assim como na aproximação rápida com a memória afetiva do público para reluzir seu ouro: as duas homenageadas.
Assistir a Emilinha e Marlene - as rainhas do rádio é (re)conhecer um pouco mais do Brasil.

Les amours imaginaires

2011-11-20T14:10:00.003-02:00

"Gosto de gente" tem sido a resposta muderna dada com frequência por algumas pessoas quando são questionadas quanto às suas predileções sexo-afetivas.
Se por um lado podemos interpretar tal atitude como um sintoma contemporâneo de negar consciente e radicalmente os rótulos limitadores quando o assunto é a múltipla possibilidade do desejo, por outro lado isso alerta a nossa própria incompetência ao lidar com o desejo, com a libido.
Quando vale muito mais ser "seguido" e "curtido" por 1000 pessoas do que ter contato íntimo com 1, é preciso repensar as qualidades das relações.
O fato é que, ao que tudo indica, não temos sabido lidar com a virtualidade do sexo, do amor em tempos de reality shows (shows da realidade).
Frágeis e descartáveis - eles não sobrevivem à primeira divergência, afinal, haverá mais presumíveis e bacanas 999 pessoas para suprir nossas carências -, os amores líquidos intensificam a manutenção da nossa infância emocional.
E o mundo tem conspirado para que sintamo-nos mimados o tempo todo: a dor está fora do jogo. Assim como a incompatibilidade de gênios.
Todas estas questões e tantas outras são tematizadas com estética visual superiormente interessante a qualquer descrição que eu possa fazer aqui no filme Les amours imaginaires, de Xavier Dolan.
Como não poderia deixar de ser, destaco a escolha de "Bang bang", cantada com a singularidade da voz da Dalida, tanto como moldura de cenas decisivas, quanto como a síntese das personalidades frágeis, inseguras, carentes e infantis - por trás das máscaras de segurança - de Marie (Monia Chokri) e de Francis (o próprio Xavier Dolan) em relação às emoções que eles direcionam para o indiferente (anestesiado emocionalmente) Nicolas (Niels Schneider).
"Bang Bang / e resto cui / Bang Bang / a piangere / Bang Bang / hai vinto tu / Bang Bang / il cuore non l'ho più", diz o sujeito da canção.
Marie e Francis são o duplo, o espelho e a prisma deles mesmos e das disputas por atenção, brilho e forjada lucidez do indivíduo contemporâneo.

Pelo amor de amar

2011-11-05T14:34:00.007-02:00

No filme A pele que habito, de Pedro Almodóvar, a jovem Norma (Ana Mena), involuntariamente (brincando distraída no jardim de casa), cantando os versos de "Pelo amor de amar", de José Toledo e Jean Manzon, desperta a mãe marcada pelo incêndio que lhe desfigurou o corpo.

Em uma cena entre as melhores construídas pelo cinema, a filha é a sereia da mãe: jogo de papéis que irá marcar toda a trama.
A voz da pequena Norma - suas inflexões infantis, seu esforço ingênuo para cantar em português - entoando os versos da canção - "O coração do mundo canta no meu coração / Meus pés seguem sozinhos a dançar / Eu não conheço em mim a grande dor da solidão / Se em tudo eu encontro o dom de amar" - oferece o sopro de vida que Gal necessita.

Porém, ao mesmo tempo, também direciona a mãe à luz, a ver refletida a sua aparência aterradora, ao fim trágico e irrefutável. A voz do coração da criança é o veneno-remédio de Gal.
Como é possível perceber, em A pele que habito, a canção "Pelo amor de amar" tem presença definidora. E recebe, mais adiante, uma interpretação comovente, apaixonada e singular, em espanhol (“Por el amor de amar”), de Concha Buika.
Resgatada do repertório de Ellen de Lima - cantora mais conhecida por ter gravado a "Canção das misses" -, "Pelo amor de amar" fez parte da trilha do filme Os bandeirantes (1960) de Marcel Camus.
Devido a dificuldade de encontrar letra e registro desta canção na voz de Ellen de Lima, disponibilizo-os aqui:

Pelo amor de amar
(José Toledo / Jean Manzon)

Quero a luz do sol
Quero o azul do céu a cair no mar
Quero o mar sem fim
Para não ter fim este mal de amar

Como a flor feliz que ver nascer a flor
Só nasci para viver no solo vento
Quem me quer amor
Tem de amar também meu amor de amar

O coração do mundo canta no meu coração
Meus pés seguem sozinhos a dançar
Eu não conheço em mim a grande dor da solidão
Se em tudo eu encontro o dom de amar

Pelo amor de amar
Quero ser a luz que sorrir na flor
Pelo dom de amar
Quero ser a flor que se deu de amor

Nó na orelha

2011-10-29T10:30:00.002-02:00

Tô velho. Para quem não bebe álcool e não fuma um atraso de mais de uma hora é uma eternidade insuportável. Hábito comum em eventos do gênero aqui no Rio.
O som do Studio RJ estava péssimo. Devo ter entendido apenas uns 20% do que Criolo cantou e falou. A sorte é que eu já conheço as canções.
Ele é um homem lindo, generoso, grande: uma presença forte no palco e voz de um discurso anti-revolta estéril ímpar.
O show é cartático: começou com o choro emocionado do Criolo ao subir e ver e ouvir o público lhe saudando. Ele se emocionou várias vezes. E pregou tantas outras o "preconceito não, amor sim".
Cantou todo o Nó na orelha. Mais "Para mulato", "Domingo", de Nelson Ned, "Cerol" e "Vasilhame". Além de interpretar sua versão singular de "Cale-se".
Há uma dor em Criolo: uma dor vinda da lucidez. Por vezes ela se expressa em gestos de fúria (como se sua alma não coubesse em si), mas na maioria das vezes se expressa em canção - em arte: no desejo fundador de instaurar a democracia racial.

Criolo

2011-10-29T10:01:00.006-02:00

Criolo
Nó na orelha
Studio RJ
Festival Faro MPB
28/10/2011

Thais Gulin

2011-10-26T09:30:00.005-02:00

Thais Gulin
ôÔÔôôÔôÔ
Teatro Carlos Gomes
25/10/2011

Deus é um DJ

2011-10-17T12:58:00.005-02:00

Como pesquisador de canção popular, uma das inquietações que tem estimulado minha pesquisa atual é tentar perceber quais são os mecanismos incorporados pelo mercado a fim de criar um produto que (melhor) sirva de trilha sonora às nossas vidas.
E qual foi a minha surpresa quando captei na peça Deus é um DJ, do alemão Falk Richter, o mesmo tatear na incerteza e na vontade de busca.
"REALIDADE num mundo midiático? Autenticidade? Existe isso em frente a uma câmera?", pergunta Richter ecoando nossas dúvidas (nem tão) atuais. Deixando apenas uma sugestão de certeza: "o poder do mundo fala conosco pela linguagem da mídia. Pela mídia eles formatam os cidadãos necessários para permanecer no poder. E eles transformam a democracia através desses novos formatos que eles nos apresentam".
Em cartaz no Oi Futuro Flamengo (Rio de Janeiro) até 13/11, sob a direção de Marcelo Rubens Paiva, Deus é um DJ elenca os sintomas de uma era pós-tudo em busca de ideologias: se por um lado ainda temos as rádios filtrando o que devemos ouvir, por outro lado temos a possibilidade de samplear, mixar, montar as trilhas sonoras que melhor nos cantam - e o que é mais complexo: podemos carregar nossas sereias na palma da mão, conectar-se a elas onde e quando quiser.
Mas, ao mesmo tempo em que o indivíduo pode compor sua própria trilha, ele é bombardeado pelos apelos midiáticos e se confunde, indistiguindo o seu desejo daquele outro instalado por um mercado cada vez mais diversificado, portanto, abridor de um leque maior de possibilidades (sempre) previsíveis.
Afinal, quando vai para o rádio a música deixa de ser independente (anônima: prenha do espírito colaborativo)? Como escolher um repertório? A sonoridade que me é estranha também é música? Como encontrar um lugar entre a borda e o mainstream quando a vida on line parece mais interessante que a vida off line? O que difere uma vida da outra? Como afetar e ser afetado pela canção de Deus: esse DJ que mixa nossas necessidades sem deixar a música parar a fim de que a vida nos cante da melhor forma possível? O que é a vida ou um show ao vivo via internet? O que é cultura e o que é entretenimento: quais as semelhanças, diferenças e onde elas se tocam?
A certa altura a personagem de Maria Ribeiro (uma VJ) declara nietzscheanamente: "Deus morreu". Se isso é verdade, quem, então, anda programando nossos sons, nossas trilhas? De fato, Deus parece ser encontrado na resignificação (veloz) de nossos bens simbólicos. Afinal, para onde caminha a música e, consequentemente, nós (ouvintes) ameaçados em nosso registro físico?
São muitas as questões levantadas na peça Deus é um DJ, justamente como são múltiplos os questionamentos do indivíduo posto no entrelugar exato do on/off line.
Representado por Marcos Damigo, um DJ inspirado, mergulhado na parafernália tecnológica claustrofóbica que cerca o jogo cênico, espelha o indivíduo contemporâneo ao se perguntar como evitar o rapto da subjetividade na nossa autopromoção diária e, ao mesmo tempo, estar aberto aos sons totais do mundo.
Sabemos apenas que num mercado global, as fronteiras das diferenças entre a Europa (hegemônica) e a América Latina (redemocrática: importância do pirata na circulação da música, por exemplo), quanto ao modo de enfrentamento de crises, são borradas.
Deus é um DJ é ação, reação e meio: uma suspensão do juízo, uma oportunidade lúcida (um descanso perturbador) de reflexão da manutenção da loucura.

Adriana Calcanhotto

2011-10-16T13:37:00.006-02:00

Adriana Calcanhotto
Micróbio do samba
Teatro Tom Jobim
16/10/2011

O bonde 10

2011-09-09T09:17:00.002-03:00

Achei essa foto do bonde 10 entre meus arquivos e o tempo ficou suspenso ao meu redor. Senti-me íntimo das vítimas. De uma intimidade diversa daquela meliculosamente forjada pela imprensa, com seu apelo interessado.

Venho da Paraíba e sempre que recebo visitas aqui no Rio levo meus amigos ao passeio nos bondes de Santa Teresa.

Para mim, entre tantas, uma das melhores atrações da cidade.

Olhando esta foto percebi que eu poderia ser uma das vítimas. Ou pior, ter alguém das minhas relações afetivas entre os escombros do bonde 10.

Coloquei-me no lugar das vítimas e dos sobreviventes que precisam reaprender a viver sem a presença física de seus afetos e gelei.

Pensar e colocar-se no lugar do outro dói, talvez por isso exercitamos tão pouco - e cada vez menos - este gesto.

Somos o que somos: um país complexo e complexicado. Preocupa-mo-nos mais em adquirir tablets do que em aprender a ler; regozijamo-nos mais com estruturas olímpicas do que em eliminar as salmouras imundas que minam expostas na rua Uruguaiana.

Delegamos todas as decisões fundamentais de nossas vidas aos políticos institucionalizados. E eles fazem a festa, como sabemos. E assim seguimos, sem culpa alguma para nublar nossos dias solares.

Nosso compromisso com o patrimônio material e imaterial beira a nulidade. Basta andar pelas ruas do Centro do Rio no fim de tarde para sentir um misto de nojo e vergonha tamanhos são a sujeira e o descaso.

Já disse, venho da Paraíba que, como o Rio de Janeiro, é um dos estados mais antigos do Brasil - as construções barrocas (de um barroco raro no mundo: tropical) estão lá como prova - e anoto que o abandono é generalizado.

Olhando o bonde 10 - amarelo, canarinho - miro a camisa 10. Somos o que somos - nem degradação, nem utopia - e é como diz a canção: "Quem quer trocar a copa do mundo por um Brasil sem vagabundos?"

Seu Jorge

2011-09-05T13:22:00.008-03:00

Seu Jorge
Músicas para churrasco Vol. 1
Fundição Progresso
03/09/2011

Hyldon

Peu Meurray e Magary

Angela Ro Ro

2011-09-01T09:31:00.007-03:00

Angela Ro Ro

Nas ondas da Ro Ro
Teatro Rival
31/08/2011

Otto

Eduardo Dussek

Marina Lima

2011-08-30T10:28:00.007-03:00

Marina Lima
Clímax (Palco MPB)
Nelson Rodrigues
29/08/2011

Inbox

2011-08-29T12:00:00.007-03:00

Os laços humanos estão cada vez mais frágeis. Talvez como nunca na história. Talvez apaixonar-se e desapaixonar-se jamais tenham sido movimentos tão fáceis. Basta um torpedo e o começo do começo e/ou o fim do fim está dado. Talvez.
Ao mesmo tempo em que tudo parece mais fácil - tornamo-nos mestres em "facilitar a vida", basta tomar os remédios certos e deletar os contatos que insinuam qualquer possibilidade de dor -, o fato é que manter uma relação erótica-afetiva, com todas as consequências gozosas e dolorosas, tem exigido reinvenções íntimas em cada parceria, em cada parte envolvida.
Como lidar com os apelos que a vida on line e suas sedutoras sugestões à imaginação oferecem é uma delas. Pela internet entramos em contato apenas com o lado ficcional do outro. E não há nada mais apaixonante do que isso.
Inbox (direção de Bel Garcia), com Maria Eduarda e Gregório Duvivier, ao apresentar uma escritora em crise criativa e vivendo em uma relação gasta pelo cotidiano e o seu contato com um fã misterioso, via email, despoleta o arco teso das novas formas que o amor tem encontrado para ainda se fazer presente.
As soluções cênicas - as movimentações corretas e sugestivas das personagens - são exatas no desejo de presentificar o texto. A plateia entra numa intimidade que é a cada instante mais próxima.
A surpresa final, tantas vezes sugerida ao logo da peça, é comovente: lança luz e esperança - aquece, promove conexões insuspeitadas.
O mais radicalmente interessante no texto (Clarice Falcão e Gregório Duvivier) de Inbox é que questões como "olhar para o que está perto", "reconhecer o valor necessário do cotidiano" e "lidar com a ordem 'natural' das coisas" não soam pieguas, nem nostálgicas. Ao contrário.
Inbox usa os elementos da vida on line como um veneno-remédio para o tratamento e o cuidado dos afetos.
Com versatilidade precisa, Inbox tematiza o amor em tempos de excesso dos meios de comunicação versus a escassez de comunicabilidade "de perto": com aquelas pessoas com quem dividimos a casa, a mesa, a cama.
John/André (Duvivier) quer mostrar que, se há amor, deve haver - mesmo que seja na elaboração ficcional de si - a capacidade de adaptação e de manutenção do desejo.
Ao captar e traduzir o nublado desejo de Clara (Eduarda) ele se descobre. E faz do risco que isso implica uma aprendizagem: um livro dos prazeres compartilhados, construídos em parceria.
O último romântico? Talvez. Mas talvez também ele seja apenas um sujeito abrindo um novo labirinto dentro do labirinto que é - "sempre foi assim, assim será" - a arte de amar.

Viver sem tempos mortos

2011-08-25T11:12:00.002-03:00

Assim como a canção só tem razão se se cantar, o teatro é o efeito especial do instante-já da encenação. A parte isso, o teatro, enquanto gênero, reinventa-se com o mundo que roda.
Em tempos de artistas cujas carreiras são tão frágeis quanto suas competências profissionais, de espetacularização de toda sorte de efemeridades e de uma proliferação de monólogos, assistir a Fernanda Montenegro em Viver sem tempos mortos, no Teatro Dulcina, deveria estar entre aquelas 1000 coisas - se é que há tantas coisas imprescindíveis assim - para se fazer na vida.
Seja por ter sido no teatro, palco importante na história do Brasil, criado por Dulcina de Moraes, artista comprometida com sua arte, em uma era pré-Lei Rouanet; seja pela excelência do texto - uma adaptação a partir das correspondências de Simone de Beauvoir; seja pela economia da encenação em si - minimalista ao extremo; seja pela presença cênica de Fernanda Montenegro.
De fato, Viver sem tempos mortos é uma aula, nada didática. Felipe Hirsch (direção), Daniela Thomas (direção de arte), Beto Bruel (iluminação), Newton Goldman (pesquisa e compilação) e Fernanda Montenegro fazem da sensibilização a chave mágica da peça.
As sugestões cênicas - a cadeira no centro do palco, ao lado do túmulo invisível de Sartre, de onde Beauvoir reconstitui, pela memória, a própria vida; a luz focalizando a voz; e o comedimento gestual da atriz (de Beauvoir) - ampliam os sentidos de um texto meticulosamente bem montado: repleto de sugestões estimulantes do pensamento.
Viver sem tempos mortos mostra que, em teatro, um excelente texto só produz sentidos quando submetido a uma encenação que lhe é compatível. Afinal é aqui, em cena, que o texto encontra ressonância no mundo do espectador.
"Perceber é conceber", anotou Octávio Paz. Viver sem tempos mortos força (exige de) a plateia ao exercício - cada dia mais nublado pelos desejos impostos (enlatados e congelados) - da imaginação, da vontade de sentidos por trás do ruído.
Em resumo: O vigor de Viver sem tempos mortos está na sensibilização da intimidade. No redimencionamento do feminino em nós.

Tim Maia - Vale tudo, o musical

2011-08-15T11:34:00.007-03:00

Se você, entre muitos risos e lágrimas, emocionou-se com a leitura de Vale tudo: o som e a fúria de Tim Maia, de Nelson Motta, vai também ser afetado por Tim Maia - Vale tudo, o musical, dirigido por João Fonseca.

Tudo no espetáculo trabalha para a empatia rápida com a plateia: sejam os recortes amenos no texto do livro; sejam as soluções cênicas; sejam as interpretações caricaturais de personagens da história da canção brasileira - todos bastante conhecidos pelo grande público.
Por falar em interpretações, dizer que o elenco escolhido para este musical é irretocável seria redundante, mas necessário. Todos em cena merecem destaques e João Fonseca sabe explorar bem as possibilidades de cada um.
Porém, como não poderia ser diferente, o destaque é Tiago Abravanel: equilibrando semelhanças e diferenças com Tim Maia, o ator encontra um ponto próprio de intervenção artística.
E por falar em figuras caricaturais, talvez seja aí onde mora o segredo do espetáculo: não se quer interpretar o indivíduo socialmente reconhecível, mas recuperar e condensar mitemas que lhe traduza - o Tim - da melhor forma possível: tropical - "baseado em que você pode fazer quase tudo".
Atores e músicos se movimentam em um cenário que sugere uma vida - a de Tim Maia - passada dentro de um imenso backstage. Até algumas trocas de roupas são feitas diante do público. O recurso metalinguístico amplia a atmosfera íntima e joga com ficção e realidade - convida o público a entrar no jogo, nas canções, no labirinto que quer alcançar o sujeito Tim Maia: presente e ausente o tempo todo.
A intensão de Tim Maia - Vale tudo, o musical é levar a plateia à intimidade do mito: tantas vezes posta em público pela própria personagem. Uma intimidade ficcional, afinal não é proposta da peça encenar uma vida inteira.
Como no livro, a assinatura de um Nelson Motta íntimo da personagem dá o tom do espetáculo. O autor aqui e ali aparece em cena, seja na voz em off, seja encenado. Mas diferente do livro, a autoironia corrosiva de Tim alcança um nível humorístico que abrange um público maior. O espetáculo é indicado para maiores de 14 anos. E aqui mais um ponto para a direção de João Fonseca e sua capacidade de driblar com luz, som e sonho a melancolia destrutiva e construtora do mito.
Aliás, o grande foco da peça é mesmo o público que, entre memórias e novidades, encontra em Tim Maia uma possibilidade brasileira - malandra - de rir de si mesmo: dos acertos e, principalmente, dos erros cotidianos.
O Tim Maia do espetáculo, mais do que uma alegoria, é um símbolo do Tim Maia referencial: posto que, através das construções apresentadas no conjunto cênico, semelhante ao Tim Maia "real", ele faz da própria vida uma obra de arte: uma intervenção (por vezes uma imposição) de sua voz e de sua personalidade singularíssimas.

Dia do Orgulho Hetero

2011-08-08T12:28:00.002-03:00

Para além do apelo comercial, pois até mesmo as intenções e os momentos mais nobres, revolucionários e íntimos são rapidamente absorvidos pelo mercado - o que, por um lado, não é de todo ruim -, destacamos no calendário os dias que, de tão importantes, naturalizam-se e perdem sentido na roda viva. Marcamos para não esquecer o que não pode ser esquecido.

Em geral, estes dias servem à lembrança e à celebração das vitórias e dos avanços humanos. É assim com o dia da mulher, da consciência negra, da independência nacional. Mas também para alertar o muito que ainda precisa ser feito para que a vida seja mais feliz, tais como, além dos também já citados, o dia das crianças, o dia do índio, o dia do orgulho lgbt e o dia do trabalho. Entre tantos.
Outros apertam sentimentos pessoais: se no dia das mães alguns lembram que tem (ou teve) uma, no natal - paralelo à comemoração religiosa e ao convite dos shoppings - damos mais atenção aos afetos, ao que de fato importa. Isso sem contar o dia dos namorados, dos pais, do amigo, da confraternização universal, de finados.
Aliás, por falar em religiões, é de se estranhar que elas não tenham percebido ainda que "a íris do olho de deus tem muitos arcos". Se somos todos filhos de um mesmo deus-pai (não importando o nome que se dá a ele), ou seja, formamos uma mesma família universal, por que a prática segregária engendrada por muitos líderes e seguidores religiosos: onde o ódio e a discórdia entre os "irmãos" são alimentados?
Eles dizem querer salvar a família e manter os bons costumes. Primeiro: ninguém salva a família, ela não é passível de pedestal, de cristalização - ela transmuta-se com o tempo que roda. À revelia de seus "protetores", a família (o conjunto formado por pessoas envolvidas pelo afeto) adapta-se aos tempos. A vida real, o cotidiano tem provado isso. Basta ter olhos para ver.
Segundo: ao definir o que são ou não são bons costumes estaremos sempre trabalhando no campo da subjetividade - do interesse de um grupo em detrimento de outro. E é aí que reside o germe da segregação, do ódio. Basta ter sentidos para sentir.
Ora, não podemos ser ingênuos bastantes ao ponto de pretender a concórdia geral. Somos diferentes e é a diferença que torna a vida complexa, rica, repleta de significados possíveis. Mas estamos expostos às mesmas (semelhantes) inquietações: o ser e o estar no mundo. O que deveria ao menos promover diálogos.
Seja como for, agendamos as datas que não queremos (nem podemos) esquecer. O dia do orgulho hetero, aliado a um iminente dia da consciência branca, lembra-nos que não importa nada - nem o horror da escravidão, nem o presidente mulato dos EUA; nem os sutiãs queimados, nem a lei Maria da Penha, nem a presidenta do Brasil; nem o Stonewall, nem os homossexuais vítimas fatais do ódio; nem a nossa brasileira genealogia mestiça, nem o ecumenismo que (ainda: por enquanto) nos sustenta - o macho adulto branco ("que só usa dez por cento de sua cabeça animal") vai estar sempre no comando.
(In)conforme-mo-nos.

A serbian film

2011-07-29T15:17:00.002-03:00

Milhares (aos montes) de crianças são violentadas diariamente no Brasil e no mundo. Não me refiro exclusivamente à violência sexual, mas também à usurpação de necessidades básicas e elementares à dignidade do indivíduo e da subjetividade.
Agora mesmo, enquanto escrevo, ou você lê este texto - que é uma exaltação ao direito que cada um deve ter em decidir o que quer ou não quer fruir no campo estético - as ruas estão cheias de crianças rastejando por um prato de comida, por um abrigo, pelo direito de uma educação escolar decente.
Muitas, a fim de denegar a situação cruel que a vida lhe impõe, vítimas das drogas: geradoras de degradação física, moral e ética. Ali na esquina há pelo menos uma criança queimando uma pedra de crack, pode ir olhar. Um tamanho horror perante os céus.
Eis o que efetivamente fere não apenas o Estatuto da Criança e do Adolescente, mas também a individuação, não um filme cujo propósito é chamar à atenção para tais chagas sociais, das quais os responsáveis jurídicos e políticos articulam-se para proibir uma exibição cinematográfica.
Eles querem salvar a família. Mas ninguém a salva. Ela é mutante: transmuta-se com o mundo que roda e escapa à competência intelectual tacanha da censura cristalizante.
Mesmo porque em A serbian film as cenas de profunda violência à criança estão mais na ordem da sugestão do que na imagem explícita.
Sim, há sangue e há horror em A serbian film. Mas talvez muito menos do que em muitos dos filmes classificados na mesma categoria. E muito menos ainda do que as fraturas sociais expostas com as quais a rua nos enche cotidianamente. Sim, a comparação pode ser esdrúxula, mas pertinente.
Exatamente por isso, por não suportar mais tais realidades, provavelmente eu não teria assistido a A serbian film, não fosse a censura que o filme vem sofrendo no Rio de Janeiro, no Brasil.
A personagem principal, aliás, cabe dizer, comete as atrocidades que A serbian film apresenta sob o efeito de estimulantes químicos injetados à sua revelia. Ou seja, dentro do próprio A serbian film há um filtro moral chamando a atenção do espectador para os horrores dos atos. Tanto é que, depois de descobrir que estuprou a mulher e o filho - a criança não aparece: só vemos seu rosto traumatizado e transtornado ao final do ato -, Milos (Srdjan Todorovic) não encontra outra solução diante da vida senão a morte do monstro em si.
Dito tudo isso, A serbian film não é um bom filme. Carece de produção, de melhores diálogos, atuações. Mas não expõe nada que nossos ouvidos perplexos e calejados já não tenham captado diante da nossa competência humana ao horror, à truculência - sem limites. Basta ligar a TV agora.
Censurar A serbian film não diminuirá em nada o terror (palavra da moda) diário ao qual nossas crianças são vítimas. Pelo contrário: os efeitos da censura, como sabemos, são tenebrosos.
Usar o argumento de que o filme incita à pedofilia é tão ilógico que, mesmo perplexo, nem me dou ao trabalho de comentar. Até porque se pessoas "sem equilíbrio emocional e psíquico adequado para suportar tais evidências de desumanidade" existem isso é um problema que urge solução no campo político-social e não nas expressões artísticas. Deste modo, censurar um filme agiria sobre o efeito e não sobre a causa da ferida. Seria mais um paliativo: tentativa sempre frustrada de conter o incêndio com uma chuva rala de consequências assustadoras, repito.
Até hoje convivemos com a dor de quem perdeu um afeto para as patrulhas ideológicas e com a má interpretação (interesseira) do que seja "politicamente correto" e bom para o bem comum.
Enfim, o triste disso tudo é constatar que enquanto a regra do "Não vi, mas proibi" impera, o que de fato importa às instâncias jurídicas e políticas está ali na esquina gritando por socorro.

Homme au bain

2011-07-25T12:19:00.012-03:00

Faz tempo que o diretor Christophe Honoré vem buscando a quintessência do macho moderno.
Por exemplo: se em Dan Paris ele imprime uma delicada e masculina investigação do amor fraternal e em Les Chansons d'Amour ele sofistica as relações afetivas, com Homme au bain Honoré invade com naturalidade a intimidade de um casal gay em crise. Ou melhor, investiga a vulnerabilidade de um homem no banho.
A imagem de um desolado François Sagat, sentado nu diante de uma estante de livros, depois de ouvir de um apático crítico de arte que sua beleza (musculosa) não consegue excitar pois não ultrapassa a pele, é sintomática e reveladora.
Bem como a cena em que o mesmo Sagat, sozinho em casa, faz faxina dançando ao som de "Insensatez" (cantada por Nancy Wilson).
Afinal, o que há por trás das máscaras sociais que o macho precisa usar? E o que fazemos quando, sozinhos, não precisamos usa-las?
Eis algumas perguntas para quais Honoré sugere respostas esmiuçando fragilidades: tencionando certezas.
E como cenário para isso: Gennevilliers, zona de problemas no que se refere à integração social da capital francesa.
Aliás, a aparição relâmpago de Marina Abramovic - em ação na performance The artist is present - não pode passar despercebida: ela tenciona o jogo claro-escuro, fundo-superfície que o diretor tenta o tempo todo representar em Homme au bain: onde está o masculino no corpo do homem?
Homme au bain é montado com imagens ora do próprio diretor (Honoré), ora forjadamente feitas pela personagem Omar, ironicamente interpretada por Omar Ben Sellem, em viagem a Nova York, onde, despretensiosamente, filma Abramovich, além de manter a câmera fissurada em um novo jovem amante, enquanto acompanha Chiara Mastroianni (L'actrice) no lançamento de um filme.
A propósito, é na montagem que reside a intervenção nouvelle-vaguiana de Honoré. Subúrbio de Paris e cosmopolitismo novaiorquino.
Homme au bain quer sugerir que a ficção cria a realidade. Não é à toa que a personagem de François Sagat - astro pornô na vida real - diz a certa altura do filme: "Não me sinto à vontade com os atores". Tudo é sugestão, ensaio, investigação.
Em Homme au bain, o sexo exposto é tão natural quanto o ato de fazer a barba. Honoré trabalha no lugar onde sexo e amor - e seus desdobramentos - se encontram e se estranham.
Pensado para ser um curta, Homme au bain não é o melhor filme de Honoré, mas são nos olhares infantis lançados por Sagat - cujo corpo é ícone de virilidade - ao longo do filme onde se revela a tradução perfeita à desconstrução do masculino que Honoré vem propondo em sua peculiar filmografia.

Rita Ribeiro

2011-07-19T23:44:00.007-03:00

Rita Ribeiro
Teatro Sesi RJ
19/07/2011

Marcelo Camelo

2011-07-05T09:40:00.006-03:00

Marcelo Camelo
Teatro Rival
Palco MPB - Toque dela
04/06/2011

São João em São Paulo

2011-07-04T13:57:00.016-03:00

Para ser lido ao som de "Não existe amor em SP", de Criolo:

Este São João eu decidi fazer algo diferente. Ao invés de ir para Campina Grande, eu decidi ir para São Paulo e hospedar-me na Avenida São João: perto dos buxixos, de onde dá para fazer vários passeios a pé.

Depois de deixar a pouca bagagem no quarto do hotel, cuja janela proporcionava uma vista privilegiada da famosa avenida e do topo do COPAN, fomos à feira cultural LGBT, no Vale Anhangabaú.

Mais tarde jantamos no shopping Pátio Higienópolis onde assistimos à peça Mambo italiano, no Teatro Folha.

Eu já tinha visto o filme e gostado bastante. Apesar da imaturidade cênica dos atores mais novos, a peça fez uma competente adaptação do roteiro para os palcos paulistas - dando verossimilhança à história por fazer as personagens transitarem por lugares de são Paulo. Mais o destaque mesmo é Jussara Freire: senhora das cenas.

A Galeria do Rock virou destino certo, às vezes que visito São Paulo. Procurar cd's fora de catálogo em uma de suas lojas - desta vez eu trouxe comigo a trilha sonora do filme Orfeu, entre outros; comprar camisetas confeccionadas por uma de suas pequenas grifes, como a Santa Hell; e mesmo passear por um espaço em que várias tribos confluem é um programa pra lá de bacana e signo paulista.

Outro destaque foi ver in loco a restauração do Teatro Municipal. Ficou lindo, como é e merece ser. Além de passear pelas ruas do Centro, cheias de sebos de livros e discos, arquitetura ímpar e bons restaurantes. Por falar em comida, indico (com louvor) a Doceria Holandesa - Av. Vieira de Carvalho: entre o Largo do Arouche e a Praça da República - e suas tortas e cafés tentadores.

Impossível não ir à feira na Liberdade e almoçar no Comida Caseira: restaurante que faz jus ao nome e que serve uma feijoada - para esquentar os maravilhosos dias frios de São Paulo - farta e saborosa. Depois disso, bater pernas na Av. Paulista - visitar a Casa das Rosas; as livrarias Cultura, Fnac, Martins Fontes e a exposição do arquiteto, cenógrafo, figurinista e artista visual Flávio Império, no Itaú Cultural.

Sem contar as bordejadas noturnas entre o trecho que vai da Av. São João e a Praça Franklin Roosevelt: reduto certo de gente interessante e interessada. Desta vez, ao invés do Espaço dos Satyros, assistimos - às 24h de um sábado - à peça Prego na testa, no Espaço Parlapatões, onde Hugo Possolo faz uma contundente análise sintomática de nosso jeito contemporâneo de ser. Isso depois de comer no bacanérrimo Rose Velt, restaurante e cachaçaria que fica na mesma praça.

A exposição Os anos Grace Kelly - princesa de Mônaco, na Fundação Armando Alvares Penteado, deu-nos uma aula daquilo que deve ser a excelência de uma montagem expositiva. As soluções arrojadas encontradas pelos curadores e cenógrafos eram um deslumbre: tanto faziam jus à pompa do tema, quanto enchia os sentidos dos visitantes de desejo.

No MASP, a exposição 6 bilhões de outros apresentava vídeos/depoimentos de pessoas comuns e dos mais diversos signos sociais de todos os cantos do mundo. Uma impactante cartografia da palavra falada que revela nossas semelhanças e diferenças.

Já no Museu Lasar Segall, fotos de Andreas Feininger nos mostravam a Nova York dos anos 40.

E não poderia faltar uma passada em uma das feiras de antiguidade de São Paulo. Escolhemos dessa vez a feira do Bixiga, na Praça Dom Orione, onde tive a feliz alegria de encontrar um LP Araçá azul, de Caetano Veloso, dando sopa para mim. Não resisti às piscadelas e sai da feira com o LP debaixo do braço. Estávamos indo para a XV Parada do Orgulho LGBT, na Av. Paulista, e nada melhor do que levar "um disco para entendidos" para um evento como este.

Ou seja, de São João só a avenida onde nos hospedamos mesmo. Além do milho verde cozinho, amanteigado e cortado em prato plástico comprado para aquecer as noites frias do junho paulista.

Adriana Calcanhotto

2011-06-28T09:22:00.010-03:00

Adriana Calcanhotto
Palco MPB - Micróbio do samba
Teatro Nelson Rodrigues
27/06/2011

Eduardo Dussek

2011-06-22T01:13:00.011-03:00

Eduardo Dussek
Gravação do DVD Dussek é show
Teatro Casa Grande
21/06/2011

Alcione

2011-06-20T22:52:00.005-03:00

Alcione
Teatro Odylo Costa Fillho
20/06/2011

A suprema felicidade

2011-06-16T16:02:00.002-03:00

Finalmente assisti ao filme A suprema felicidade, de Arnaldo Jabor.
Acho que nunca fiquei tão constrangido numa experiência estética como diante das cenas de nudez deste filme.
A semi-nudez das personagens das competentes atrizes Maria Flor, Mariana Lima e Tammy Di Calafiori em nada acrescentam ao desenvolvimento das ações fílmicas.
Os seios surgem tão gratuitamente desnudados que nem as próprias atrizes sabem como se portar nas cenas. Que dirá os espectadores!
É constrangedor e se foco neste ponto é porque isso, sob diferentes aspectos, se repete ao longo do filme: seja nas sequências dramáticas pintadas com tintas pesadas demais resultando no riso do descrédito, seja até mesmo na interpretação de Marco Nanini que parece perdido sem saber para onde direcionar a personagem que lhe coube.
A fotografia que tenta oferecer um clima forçado de época, e adensador do lirismo superficial, choca-se com locações desconectadas do tempo narrativo.
Aliás, os três(?) tempos narrativos parecem tão iguais em sua apresentação individual que fica difícil saber qual deles está sendo exposto.
Enfim, a melhor coisa que o filme A suprema felicidade oferece é mesmo a participação de Elke Maravilha: uma grande artista que ainda tem muito a oferecer à arte.

São João Carioca

2011-06-12T23:29:00.007-03:00

São João Carioca
Quinta da Boa Vista
12/06/2011

Macho toys

2011-06-06T15:22:00.003-03:00

A série Macho Toys, de Fábio Carvalho, em exposição na Galeria Anna Maria Niemeyer até 18 de junho, investe no território militar para promover um deslocamento sutil nos núcleos daquilo que somos levados a entender como sendo as formas ideais do masculino.

Em Macho toys - n° 24, por exemplo, utilizando brinquedos do universo dos meninos (soldados, helicópteros e carros de guerra) em contato com o colorido das flores de plástico, Fábio Carvalho não feminiliza a imagem dos soldados de brinquedo, como pode pensar um visitante de primeira mirada.
Ao contrário, o artista restitui ao macho, ao colocá-lo, em suas virilidade e agressividade potentes, sobre pires de porcelanas, um poder que ele (o homem) outrora ostentava. Sim, houve um tempo em que colecionar porcelana era "coisa de homem" - emblema de poder: quanto mais florida a louça, mais rico era o dono - e isso não tinha, em princípio, relação com a orientação sexual.
O estranhamento em Macho toys vem, portanto, da intervenção semântica que Fábio Carvalho imprime nos conceitos culturalmente definidores de preconceitos e dores. A criação de um dispositivo de terceira margem - de frágil-vigor: a porcelana como suporte da agressividade - quer mais estimular a reflexão sobre os acordos íntimos e sociais daquilo que "serve para o homem" do que travestir o masculino em feminino.
Outro exemplo: em Dos que partem, aos que ficam (Santuário de ninfas II), Fábio Carvalho reproduz retratos de soldados da Primeira Guerra Mundial - imagens que os próprios soldados faziam uns dos outros antes da partida. Há aqui uma flagrante virilidade (composta pelo vestuário, pela pose do fotografado e pelo imaginário de quem olha) e, ao mesmo tempo, uma ingenuidade diante do terror iminente, que, emolduradas pelos decalques florais e transfer ouro do artista, complexifica as posturas, as definições nítidas do macho que pousa para outro macho que, por sua vez, capta a beleza do companheiro. Fábio Carvalho percebe, e trabalha sobre, essa dobradiça do desejo - o que pode e o que não pode ser -, desautomatizando o olhar do visitante.
Macho toys pode até ser lida como arte gay, mas isto seria uma redução tacanha das questões que a série apresenta. No fundo, amamos a mentira da maquiagem (das representações que construímos para nossa segurança). Quando floral e/ou florido, o homem se desassemelha do homem? Eis a pergunta que serpenteia a mente do visitante da exposição Macho toys.

Pedro Sá e Domenico Lancellotti

2011-05-23T22:37:00.005-03:00

Pedro Sá e Domenico Lancellotti
Andy Warhol 16mm
23/05/2011
CAIXA Cultural RJ

Bartebly, o escriturário

2011-05-20T13:25:00.004-03:00

Bartleby, o escriturário foi escrito por Herman Melville em 1853, mas ainda hoje causa estranhamento: aquele incômodo nos sentidos - que ora é traduzido pelo riso, ora pela tensão.
Pré Kafka, Dickens e Dostoievski, Bartleby representa o indivíduo não adaptável: "Prefiro não (I would prefer not to)", responde a personagem a qualquer proposta de mudança no cotidiano paciente e passivo que criou para si.
"O que conta para um grande romancista, Melville, Dostoievski, Kafka ou Musil, é que as coisas permaneçam enigmáticas e, contudo, não-abstratas", diz Deleuze: apontando a desnecessidade de substanciação das coisas. O mistério de Bartebly permanece irrevelável, mas, ao mesmo tempo, soa radicalmente próximo - íntimo - de quem lhe observa.
Com adaptação e direção de João Batista, em cartaz na Casa de Cultura Laura Alvim, Bartebly, o escriturário consegue apresentar os mundos no mundo (conformado e contundente) do copista Bartebly: cópia, aqui, no sentido de fecundidade (copiosamente), aludindo à própria complexidade da personagem.
Cenário (Doris Rollemberg) e figurino (Mauro Leite) são funcionais para a sugestão estética e as atuações de Duda Mamberti, Gustavo Falcão, Claudio Gabriel, Eduardo Rieche e Rafael Leal se harmonizam no contexto cênico.
Embora tenha algumas cenas sublinhadas em excesso, enfadando a subjetivação do espectador, Bartleby, o escriturário alcança o objetivo de inclassificar o indefinível: as motivações do definhamento progressivo do homem: de Bartebly.

Childhood Brasil

2011-05-20T12:54:00.010-03:00

Show em benefício da Childhood Brasil
17/05/2011
Theatro Municipal RJ

Maria Gadú

Caetano Veloso

Djavan

Sandy, Ana Botafogo e Thiago Soares

Milton Nascimento

Seu Jorge, Sandra de Sá e Mangueira do amanhã

Seu Jorge

Maria Bethânia

Déa Trancoso

2011-05-14T09:41:00.008-03:00

Déa Trancoso
Serendipity
13/05/2011
Teatro de Arena da CAIXA Cultural

Rabbit hole

2011-05-06T14:41:00.003-03:00

Rabbit hole - que no Brasil recebeu o medonho título Reencontrando a felicidade - é o mais recente filme do ultracontemporâneo diretor John Cameron Mitchell.
Dito a grosso modo: se no filme Hedwig a personagem-título vivia a solidão pelo viés do confronto consigo mesma e do embate pela afirmação de si na sociedade e no filme Shortbus as personagens experimentaram a solidão diante da profusão de opções que a vida moderna oferece, em Rabbit hole John Mitchell investe na ausência física do filho morto para tematizar a intraduzibilidade da dor.
No papel da mãe (Becca) que perde o filho e se aproxima do (acidental) assassino para tentar conviver com a dor, Nicole Kidman valoriza cada palavra do texto com uma performance de desamparo comovente e sem pieguismo.
Por sua vez, Aaron Eckhart - interpretando o pai (Howie) - compõe, junto com Nicole, o casamento de forças contrárias, porém complementares: a fúria e a apatia; o movimento e o repouso. É no equilíbrio destas potências - com cada um vivendo o luto à sua maneira, mas contaminando às ações alheias - que John Cameron Micthell coloca o seu filme, cujo roteiro trabalha com aquela tragédia que mais parece ferrugem: vai roendo aos poucos (e por dentro) cada um dos envolvidos.
Em nenhum momento as personagens parecem querer superar a dor, pelo contrário - afinal, como superar a morte de um filho? - elas tentam conviver e sobreviver na dor: ora com o perdão, ora com o rancor que a tudo invadem, levando-as a criar muletas salvadoras: a tal Rabbit hole - bolhas íntimas forjadamente protetoras: vulneráveis a qualquer vento mais forte.
Nestes nossos tempos em que é proibido sofrer, Rabbit hole (adaptação da peça de David Lindsay-Abaire) é lento e difícil como todo luto, mas necessário.

A escola do escândalo

2011-04-20T09:29:00.002-03:00

A vida alheia parece mesmo - desde sempre - ser melhor do que a nossa. Como consequencia disso, alimentamos maledicências, fofocas e, claro, a industria de celebridades, e enchemos as bancas com revistas e entupimos nossas caixas postais com spans de mensagens afins à mancheia.
Ir à peça A escola do escândalo - até 06/06 no Teatro Tom Jobim - é ficar diante de um espelho: literalmente, haja vista que há 3 enormes objetos que fazem as vezes de espelho refletindo a plateia.
Aliás, em tempos de cenários cada vez mais simplórios, merece destaque a exuberância do cenário assinado por Lia Renha e o luxo do figurino de Emília Duncan: com soluções cênicas dignas das classes mais abastadas de Londres, à época.
O humor ferino e sofisticado do texto de Richard B. Sheridan (1751-1815) recebeu do diretor Miguel Falabella o tom necessário para brilhar em palcos brasileiros. Um jogo atualíssimo de máscaras sociais é desdobrado com atuações irretocáveis.
Aliás, com um elenco estelar - Ney Latorraca, Guida Vianna, Maria Padilha, Rita Elmôr, Jacqueline Laurence, Bruno Garcia, Chico Tenreiro, Armando Babaioff, Edi Botelho e Bianca Comparato - talvez isso fosse tarefa fácil, mas não é.
Por isso, é importante destacar o sensível investimento individual de cada um para a harmonia do todo: um verdadeiro trabalho de equipe.
Se a primeira parte - pelo excesso de justificativas para o que virá - parece morosa, depois do rápido intervalo A escola do escândalo diz, de fato, a que veio: desestabilizar nossas certezas.

A estupidez

2011-04-19T12:54:00.003-03:00

Em A estupidez, em cartaz no CCBB-RJ até 29/05, cada segmento tem uma dinâmica própria, porém, e isso faz a graça lúdica da peça, tudo se mistura: adensando o fato de hoje vivermos em espaços esponjosos e fatalmente violados e afetados pelas ações do vizinhos.
O jogo das aparições das personagens - 24 para 5 excelentes atores (Alcemar Vieira, Cristina Flores, José Karini, Letícia Isnard e Saulo Rodrigues) - do texto de Rafael Spregelburd, recebe o exato tratamento kitsh e tarantino que merece.
Aliás, importa apontar a competência dos atores: todos no mesmo nível. Com Alcemar Vieira e Letícia Isnard marcando ainda mais as diferenças entre cada personagem que interpretam.
A iluminação está na perfeita harmonia com a execução da trilha sonora. Os figuros e o cenário dão o clima afetado e exagerado que o todo pede. E as soluções cênicas merecem um destaque a parte.
Há uma complexa justaposição de cenas - um delicioso jogo de longe-perto, claro-escuro: enquanto uma ação acontece no plano da superfície (próximo da boca de cena), outra ação - quase em câmera lenta - é antecipada no fundo. Digo antecipada porque, como se o palco girasse em 180º, a ação vem para perto dos olhos do público. Um recurso realmente muito bem aproveitado pelo diretor Ivan Sugahara e muito bem executado pelos atores.
A longa duração da peça passa quase despercebida, tamanha é a capacidade de atenção que ela pede e proporciona. Diversão garantida!

Eu sou o número quatro

2011-04-18T11:46:00.003-03:00

Eu sou o número quatro é uma mistura simpática de High scholl com a série Crepúsculo.
Se o protagonista John Smith - o tal número 4 do título e exilado do planeta Lorien - é tão inexpressivo quanto o famoso vampiro da não menos famosa série, as cenas de ação tem desenvolvimentos compensatórios.
O texto e as interpretações em geral são rotineiras: caem nos chavões caretas que empesteiam tais filmes pretensamente adolescentes.

Rio

2011-04-15T09:17:00.008-03:00

O Rio de janeiro não é e é aquilo que vemos em Rio. Não é, e nem precisa ser, porque estamos no campo da intervenção, da criação. E é porque potencialmente desejamos que a cidade seja aquele lugar divino, maravilhoso.
Seja como for, Rio é um deslumbre: um show para os olhos e demais sentidos; uma sincera - e alheia ao ressentimento tolo - festa da alegria.
Em Rio, o Rio de janeiro é mais do que uma cidade, é o tempo-espaço que revela, vela e desvela fernandos (garotos sem pai, nem mãe: futuros rapazes maus?!) e dentista que usa fio dental para fazer o carnaval e machões que se travestem de tangas douradas e chocalhos amarrados na canela para brincar com o avesso de si.
Se temos o traficante de aves (de nossas belezas naturais), temos também o pesquisador ingênuo e romântico fazendo sua parte para reverter o mal instalado.
O Rio de janeiro de Rio é tão mutante - paisagem tão movediça quanto inspiradora - quanto o Rio de janeiro com o qual nos deparamos na vida "real".
Mas, claro, em Rio, o Rio de janeiro é muito mais: há uma emocionante retomada de uma delicadeza perdida. Por vezes, parece que estamos diante de um filme da Atlântida: ufanista porque apaixonado e querendo que, de fato, o Rio "real" seja daquele jeito. Ou seja, que o Rio de Janeiro seja para o morador da cidade o mesmo que é para o turista: praia e sol, Maracanã, carnaval e futebol deslumbrantes e pacificados (sem falsas promessas). E, claro, a trilha sonora tem parte importante no sucesso do show: é a apoteose do jeito de corpo carioca!
Carlos Saldanha investe nas potências, contrastes e signos mais intrínsecos da cidade - dos quais muitas vezes nos envergonhamos: máscaras impostas pela emergência social tacanha.
O que é o cachorro babão Luiz vestido de Carmen Miranda (nosso espelho inconfesso) senão a afirmação de que podemos ser e ter muito mais? O que são Nico e Pedro senão uma mostra da parceria malandra que nos faz ser e ter muito mais do que a realidade oferece?
A felicidade (e a ponta de orgulho) que sentimos ao sair de Rio precisa dar força para que amemos e deixemos a cidade ser o que ela é: capital sangue-quente do melhor e do pior do Brasil; o lixo que consome e que tem nele o maná da criação.

Incêndios

2011-04-11T18:32:00.003-03:00

Quantas dobras montam uma existência? Quantas cicatrizes cabem em um corpo? Quantas verdades podemos suportar?
Estas perguntas ficam dando voltam no expectador que sai da sessão de Incêndios. Dirigido por Denis Villeneuve, o filme tem tomadas que mais parecem clips do Radiohead. Aliás, para intensificar isso, é o som do grupo que se ouve ao fundo várias vezes. Esta é a primeira dica para as muitas voltas - justaposição radicalmente linda de presente e passado - complexificadoras que Incêndios irá apresentar.
Agindo sobre um tema bem novelão, assumindo o humano no melodrama - a busca do pai e do irmão desconhecidos - a história dos gêmeos Simon (Maxim Gaudette) e Jeanne (Mélissa Désormeaux-Poulin) se embrenha por territórios físicos e espirituais desconfortantes.
Dizer qualquer outra coisa da narrativa é entregar demais: só adianto que um mais um, no filme, não é dois, é um.
A fotografia e as atuações são das mais arrebatadoras que o cinema contemporâneo nos ofereceu recentemente. Tudo é, ora extremamente seco, ora assustadoramente úmido. Em Incêndios, todas as certezas são postas em prova: em especial as convenções entre privado e público.
Ao final, o canto da "mulher que canta", que guarda e sustenta em si a dor de todo um pensamento cultural, quer salvar-nos da terrível certeza: nada é tão simples quanto parece ser.
Sei que este adjetivo perdeu sua força, mas Incêndios é, de fato, um filme surpreendente.

O MASSACRE DE REALENGO

2011-04-08T14:31:00.001-03:00

O massacre de Realengo
[soneto 4141]
Glauco Mattoso

“Massacre” se chamou “da Candelaria”.
Chamou-se de “massacre” o “de Vigario
Geral”. Mas comparar? Ha quem compare o
que occorre em Realengo, em faixa etaria?

Qualquer outra tragedia é secundaria,
embora jamais haja um justo horario
que a Morte nos reserve e seja vario
o caso em cada agencia funeraria.

Creanças, quando victimas, são serio
motivo à reflexão, pois illusorio
se torna o Amor christão num cemiterio.

Um louco… Um attemptado… Caso chore o
Pae pelo Filho e a crença recupere o
espirito da gente, é o Céu inglorio?

Ângela Ro Ro

2011-04-05T23:57:00.006-03:00

Ângela Ro Ro
05/04/2011
Teatro Rival

Invasão do mundo: batalha de Los Angeles

2011-04-04T20:21:00.002-03:00

Tirando o fato de que o "inimigo" são alienígenas ultra armados e colerizados - aliás, como costumeiramente são representados - o filme Invasão do mundo: batalha de Los Angeles pode ser visto como mais um episódio desses programas de TV que acompanham a rotina de policiais, bombeiros, médicos e tais.
A câmera-personagem reforça esta leitura e entrega o filme desde as primeiras cenas. Além dos momentos de humanização das personagens: como o garoto que perde o pai - um civil capaz de um gesto heróico; as trocas de olhares lânguidos entre Aaron Eckhart (muito bom como o sargento Michael Nantz) e uma bela sobrevivente; e os flashes da vida pessoal de cada personagem.
Criando a tal atmosfera de um registro "documental", o diretor Jonathan Liebesman investe em um filme forjadamente sem roteiro - para o bem e para o mal: como se tudo aparecesse "ao acaso": seguindo o fluxo dos acontecimentos. O que desfavorece o aprofundamento de qualquer ação das personagens, por exemplo. E limita os atores.
Em Invasão do mundo, a lei de ação e reação dita a narrativa. Daí o uso de tomadas longas. E, claro, como não poderia deixar de ser, a glorificação do herói: com direito a câmeras posicionadas abaixo da personagem apontando sua bravura sobre tudo e todos.
Por fim, importa dizer: Invasão do mundo é visualmente interessante: quase monocromático.

Daniela; Elba; Paula; e Margareth

2011-04-03T22:14:00.006-03:00

Daniela Mercury, Elba Ramalho,
Paula Lima e Margareth Menezes
Show 150 anos CAIXA
02/04/2011
RioCentro

As centenárias

2011-04-02T09:45:00.003-03:00

Nordestino não gosta de ver carioca e/ou paulista representando sua gente. Não se trata de identificação, nem purismo. A questão é que na maioria das vezes tudo descamba para uma caricatura tacanha: que apenas busca o riso fácil, não dos nordestinos, mas dos próprios cariocas e paulistas. Como a "senhora do destino" feita por Susana Vieira, por exemplo.
Por isso meu completo encantamento com o texto de Newton Moreno para a excelente As centenárias. Aliás, Moreno também é autor de Maria do caritó, outro excelente espetáculo.
Claro que, sem uma montagem e atores à altura nem mesmo um texto excepcional sobrevive no palco.
Daí destacar em As centenárias o trabalho de Marieta Severo e Andréa Beltrão. A primeira como a casmurra e astuta Socorro e a segunda como a excessivamente alegre e ingênua Zaninha.
Ambas com preparação vocal e corporal exatas. Ambas trabalhando sobre a tênue fronteira que separa a caricatura desrespeitosa e débil e a construção orgânica e lúcida de seus papéis.
Merece destaque, ainda, o impactante cenário: um fundo feito por bonecos tão diversos (em tamanho e tipos) quanto os corpos chorados e cantados pelas duas carpideiras.
Quem tem o mínimo de conhecimento de Nordeste se emociona e se alegra. O riso é de festa e celebração, pelo teatro bem feito e por aquelas mulheres cuja função, tão importante para a cultura oral e vocal, perde-se no progresso vazio.
Só impliquei com a solução cênica (música e picadeiro) dada para o fato da morte ser a mestre de cerimônia - que tudo conduz - do espetáculo. Mas isso não interfere no brilhantismo arrebatador de As centenárias.

Simone

2011-03-28T23:48:00.006-03:00

Simone
Palco MPB
28/03/2011
Teatro Nelson Rodrigues

Zélia Duncan

2011-03-20T00:43:00.008-03:00

Zélia Duncan
1ª noite da gravação do dvd
Pelo sabor do gesto em cena
19/03/2011
Teatro Municipal de Niterói

Christiaan Oyens

Marcelo Jeneci

Centenário de Assis Valente

2011-03-19T16:26:00.003-03:00

Hoje comemoramos o centenário da imortalidade de José de Assis Valente, nosso sambista trágico.

Compositor de "Alegria", "Boas festas", "Boneca de pano", "Brasil pandeiro", "Cai, cai balão", "Camisa listada", "É do barulho", "E o mundo não se acabou", "Fez bobagem", "Good-bye, boy", "Gosto mais do outro lado", "Mangueira", "Maria boa", "Minha embaixada chegou", "O dinheiro que ganho", "Que é que Maria tem?", "Recenseamento", "Tem francesa no morro", "Uva de caminhão", "O vento e a rosa", (...), a obra de Assis Valente merece e precisa ser ouvida e estudada.
Só há uma biografia (esgotada): A jovialidade trágica de José de Assis Valente, de Francisco Duarte Silva e Dulcinéa Nunes Gomes.
Urge atentarmos para suas delicadezas, seus olhares múltiplos - em meio ao ambiente machista e moralista do espaço boêmio carioca de então - sobre a tragicidade cotidiana das sensações inconfessas dos afetos.
Sua alegria melancólica e sua amargura alegre traduzem nosso Brasil pandeiro, que encontrou em Carmen Miranda - nossa melhor representação: exuberância e ruína - a voz e o corpo exatos.
Além, claro, de Francisco Alves, Carlos Galhardo, Orlando Silva, Aracy de Almeida, Aurora Miranda, Marlene, Elza Soares, Isaura Garcia, Márcia, Maria Alcina, Simone, Olívia Byington, Wanderléa, Nara Leão, Maria Bethânia, Zezé Motta, Clara Nunes, Vanusa, Eliete Negreiros, Eduardo Dussek, Ney Matogrosso, entre muitos outros.
A obra de Assis Valente é a afirmação de que nossa "gente era triste e amargurada / inventou a batucada / pra deixar de padecer / Salve o prazer / salve o prazer".

Márcia Castro

2011-03-18T23:17:00.005-03:00

Marcia Castro
De pés no chão
18/03/2011
Oi Futuro Ipanema

O universo Gráfico de Glauco Rodrigues

2011-03-16T12:28:00.002-03:00

Aberta à visitação pública até 08 de maio,

a exposição O universo Gráfico de Glauco Rodrigues
reúne significativas peças de sua obra.

Entre elas, as capas dos discos acima.

O universo Gráfico de Glauco Rodrigues
CAIXA Cultural Rio de Janeiro
Av. Almirante Barroso, 25 - Centro
Rio de Janeiro-RJ

Alzira E

2011-03-14T11:40:00.007-03:00

Alzira E

Pedindo a palavra
12/03/2011
Sesc Copacabana

ArrudA

Ney Matogrosso

Iara Rennó e Ney Matogrosso

Zé Colmeia

2011-03-11T14:18:00.001-03:00

Para quem - como eu - teve o imaginário infantil habitado pelas astúcias do fanfarrão Zé Colmeia e seu parceiro, o certinho Catatau, o Filme Zé Colmeia deixa muito a desejar.
O ursão está muito politicamente correto - algo inconcebível para as animações anárquicas criadas por Willian Hanna e Joseph Barbera.
Mas, para além da comparação entre o desenho animado e o filme, há neste sérios erros de adequação nas cenas em que ele interage com os humanos: os olhares não se cruzam, por exemplo, e isso, repetidas vezes ao longo do filme, incomoda.
Aliás, as cenas com a competente Anna Faris são as mais esteticamente desarmônicas: a interação é capenga.
Sim, o mundo está mais chato, mais careta... e talvez isso tenha contaminado o roteiro do filme e a direção de Eric Breving. Infelizmente, parece que Catatau conseguiu por um pouco de juízo na cabeça de Zé Colmeia: basta prestar atenção nas falas deste.
Uma pena, para quem - ao menos na arte - espera poder respirar harmonias possíveis sem juízo final.

O ilusionista

2011-03-10T13:36:00.003-03:00

O filme O ilusionista, dirigido por Sylvain Chomet, não é recomendado para quem - ao menos uma vez na vida - tentou cortar os pulsos. O ilusionista é aterradoramente tristíssimo. E, por isso também, um filme assustadoramente belíssimo.
Merecedor de todos os superlativos, O ilusionista carrega as tintas nas referências à obra do diretor Jacques Tati para tematizar o fim das utopias.
"Mágicos não existem", escreve no bilhete final o ilusionista do título: o próprio Tati?
Tudo ao redor da personagem central é construção e ruína: desde a estrutura formal do filme - a técnica de animação utilizada - até a movimentação - encontros e despedidas - das personagens.
Todos caminham juntos para um mesmo (triste) fim. Sem esperanças: até mesmo a beleza da juventude da personagem feminina - sintomaticamente chamada de Alice - é borrada pelas nesgas de deslumbres que vem dela.
Aliás, o eterno retorno (nietzscheano) das coisas - que corrói nossa existência - é lindamente tematizado quando Alice (já devidamente envolvida nas seduções da cidade) cruza na rua com uma camponesa, como Alice fora um dia.
O rock, a TV (a única coisa que parece estar sempre ligada) e a cidade em si são sugeridas como cúmplices no apagamento do interesse do público (e do mercado de trabalho) pelos artistas artesanais: pela percepção clown do mundo.
O ilusionista é um filme que honra a obra melancólica e a vida de Jacques Tati, que tanto tematizou o estranhamento diante das promessas de felicidade e maravilhas que a modernidade oferece. E pergunta: há vida depois do amor?

Nise da Silveira: senhora das imagens

2011-03-09T12:12:00.002-03:00

Nise da Silveira é um exemplo de teimosia e coragem. Sem dúvidas, é uma das mulheres mais importantes do século XX e merecedora de todas as homenagens.
Já o espetáculo Nise da Silveira: senhora das imagens é uma tentativa cheia de boas intenções, porém frustrada, de glorificar à grande senhora.
Dirigida por Daniel Lobo, a atriz Mariana Terra vê-se presa a marcações e tramas que pouco dizem ao todo. As sensações são forçadamente forjadas e a atriz, que visivelmente imprime seu melhor, perde-se no jogo lúdico da direção da peça.
Dizer que a música de João Carlos Assis Brasil e a coreografia de Ana Botafogo (que não é coreógrafa) são funcionais é chover no molhado. E o uso dos recursos multimídias parecem ser o que justifica o título do espetáculo.
Há um mal aproveitado borramento biográfico: ora quem está em cena é Nise, ora é a própria Mariana. Mas na maior parte do tempo quem está mesmo em cena é o diretor.
O que poderia ser usado como recurso para arrastar o espectador, morre na praia; o que poderia, como Nise o fez, romper as fronteiras dos sentidos - e os recursos estão ali, em cena, todos à disposição - é digerido como uma egotrip que não agrega a todos.
Mariana é uma boa atriz e consegue vestir o escafandro dado pelo diretor; ela consegue imprimir soluções funcionais para a direção - o que justifica a emoção de algumas pessoas da plateia - mas o peso é enorme. A poesia é esmagada pelo excesso de sol (de emoção), apesar da água (dos vários recursos técnicos) na qual supostamente Mariana mergulha.
Como sabemos, Nise da Silveira não foi bem recebida pela Academia e Nise da Silveira: senhora das imagens não ajuda na recepção da doutora: nem pelos "doentes", nem pela Academia, nem pelo público em geral.
Ainda bem que a curiosidade e a admiração do público sobre a figura pretensamente capturada pela peça é maior que tudo isso.

Bruna Surfistinha

2011-03-03T14:10:00.008-03:00

O filme Bruna Surfistinha mostra que o veneno do escorpião não é tão doce assim. Aliás, noutra perspectiva de leitura, levando-se em conta que o filme foi baseado no livro de memórias da garota de programa - O doce veneno do escorpião -, Bruna Surfistinha é quase vazio de veneno.
Na busca pela classificação de 14 anos - o que, de fato, não aconteceu, pois o filme não é recomendado para menores de 16 anos -, o diretor Marcus Baldini excedeu no cuidado com os corpos.
Além de eliminar trechos importantes para o entendimento da persona da personagem do livro: nossa Hilda Furacão contemporânea. Por exemplo, o fato de que não há cenas de sexo lésbico, a não ser umas parcas insinuações e uma cena de cama com um casal.
Bem diferente do livro: aliás, uma boa leitura sobre a escrita-de-si; do fastio existencial meticulosamente escrito para picar o leitor em tempos de espetacularização da obviedade da dor de existir e ter que fazer escolhas.
Deixando de lado as comparações com o livro, Bruna Surfistinha (o filme) não permite ao espectador identificar um contexto temporal para o drama. A história de Bruna soa descolada de um tempo e de um espaço verossímeis. O que, por um lado, reforça o suporte frio e líquido da tela do computador: da blogosfera. Mas acaba deixando o espectador sem direção temporal: de repente, descobre-se Bruna na explosão das drogas, por exemplo.
Tirando a caracterização patética da fase adolescente, Deborah Secco - que mais uma vez está se repetindo na TV -, apesar de não conseguir deixar de ser Deborah (para o bem e para o mal) imprime uma personagem um grau diferente daquilo que habituamos ver nas telenovelas. A mudança de eixos na trajetória de vida, por exemplo, é bem marcada e convence na busca pela atenção alheia e na vontade (humana) de ser independente.
Em Bruna Surfistinha, desde a primeira cena, o diretor trabalha com a pulsão voyeur do expectador de cinema. A cena da blitz policial - sabiamente agregada ao trailler do filme - é a melhor de todas: há uma concentração de desejos, vontades, taras e sentidos impagáveis. Vale a pena ver a "fake plastic love" dela!

Além da vida

2011-03-03T11:23:00.002-03:00

Além da vida, para um país que teve um médium como Chico Xavier, deixa muito a desejar. Ou seja, sabemos lidar muito melhor com as especulações sobre a espiritualidade.
Crenças a parte, o filme de Clint Eastwood exagera na morosidade. Sim, não há panfletos, e isso, por si, é ótimo. Mas o roteiro dá saltos sem sentido e cria situações forçadas na tentativa unir três histórias díspares.
Obviamente, a cerimônia de despedida de entes queridos e os múltiplos modos de contato com a morte são experiências íntimas e pessoais, porém, a crueza (capital) com que as três histórias condutoras do filme são tratadas incomoda.
Noutras palavras, há o tratamento do espiritual, mas com forte apelo na matéria, como se todos os problemas do espírito tivessem respostas (e gêneses) no físico. Isso, dentro da proposta do filme, é paradoxal, enfadonho (pois tenta se explicar inúmeras vezes: com micro histórias agregadas) e, portanto, pouco funcional no todo.
Matt Damon faz o que pode com seu apático médium e Cécile De France desempenha um papel corriqueiro dentro de uma história confusa.
Ao final, diante da previsibilidade do final, somos tocados apenas pela história dos gêmeos vividos por Frankie McLaren e George McLaren - a trama com real fôlego de Além da vida.

Labirinto

2011-03-01T16:43:00.003-03:00

Fico imaginando como seria a reação do público do final do século XIX diante de Labirinto, encenação de três textos do dramaturgo José Joaquim de Campos Leão - o Qorpo Santo.
Penso nisso pois a acidez do texto encenado - trabalhando sobre questões como liberação sexual, direito ao prazer e emancipação feminina - agora parece não comover do mesmo modo que foi concebido para.
Até porque, ao que tudo indica, estamos ficando cada dia mais careta. O contato com a plateia fica muito mais restrito ao riso - por meio das personagens mais caricaturais - do que à fruição reflexiva.
A direção de Moacir Chaves oferece ao texto aquilo que este pede, mesmo com um elenco desigual. Aliás, muitas vezes não sabemos se a mecanicização (que certamente tem uma função dentro da concepção de Qorpo Santo) do ator em cena faz parte do jogo cênico, ou se sublinha o desempenho do ator.
O figurino é confuso e, ao tentar reforçar o variação linguística das personagens - remetendo o público ao tempo de outrora -, peca por criar paradoxos.
Mas Labirinto é uma peça imperdível: seja pelo autor dos textos - tão cruel e tão pouco montado -, seja para confrontar conceitos, ideologias, lutas... com a mudança dos tempos.

Besouro verde

2011-02-28T12:38:00.002-03:00

Não há nada pior do que a expectativa. Ela sempre cria certezas que não se confirmam, simplesmente porque nada é como queremos que seja, e sim como são.
Fui assistir a Besouro verde envolvido pelas promessas das imagens alucinantes do trailler, mas bastaram os primeiros 10 minutos do filme para perceber que minhas expectativas não se confirmariam. Sim, eu esperei demais - tomadas eletrizantes, efeitos hipnóticos... - de um filme que não passa do corriqueiro. E olha quem nem fui a fim de - nostálgico - encontrar o besouro verde de outros tempos.
Fui atrás de entretenimento, diversão, desopilação e encontrei um filme chato e cansativo: com efeitos forçadamente feitos para sublinhar o 3D.
Mas dentre os muitos equívocos de Besouro verde, talvez a escalação de Seth Rogen para o papel principal seja o mais gritante. Sempre deixando a impressão de que está interpretando a si mesmo, o que em alguns casos não é de todo ruim, o ator não permite ao expectador perceber as nuances na mudança de comportamento da personagem.
Aliás, há saltos no roteiro que comprometem toda estrutura da história: confundem (no pior sentido) e limitam a fruição.
Mas há Jay Chou. Ele salva o filme.
Enfim, fica o ensinamento de que, como expectador, tenho que aprender (gesto contínuo) a zerar a expectativa.

Sílvia Machete

2011-02-25T23:50:00.002-03:00

Sílvia Machete

Festival Sonoridades
25/02/2011
Oi Futuro

O discurso do rei

2011-02-24T13:46:00.003-03:00

O filme dirigido por Tom Hooper passeia de forma leve por traumas complexos. Em O discurso do rei baixa autoconfiança, rejeições e recalques são explorados de fora para dentro: os cenários - frios, mofados e descascados - tentam plasmar a alma da personagem George, vivido por um excepcional Colin Firth.
A dureza de ser - ou ter se tornado - gago e precisar usar a voz como instrumento de contato com o mundo, afinal estamos falando de um rei que precisa ter voz ativa e no nosso destino mandar, é o núcleo duro de uma trama cuja palheta de cores dos afetos é rica.
Como ser rei sem ter a voz que os súditos esperam? Em O discurso do rei, George mostra a mudança de perspectiva que vai da voz do dono ao dono da voz.
A relação que se estabelece entre George e o falso doutor Lionel Logue (Geoffrey Rush) - uma relação que joga com as potências da coragem e do medo - subverte as clássicas "cantigas de amizade".
Em O discurso do rei - um filme bonito e feito para ganhar prêmios (mas qual não quer?) - a amizade entre senhor e servo tem outros tons: os sentimentos minam.

Perrier

2011-02-22T11:13:00.009-03:00

"Se não tem água Perrier eu não vou me aperrear", diz os versos de Zeca Baleiro.
Penso neles enquanto vejo a excelente campanha da famosa água: com certeza inspirada na sensação térmica de derretimento do verão carioca.
As peças publicitárias ricas em detalhes, reentrâncias, dobras mostram como unir propaganda (apelo de consumo) com cuidado estético.
Ao final, é como diz os versos de Antônio Cícero: "Adoro, sei lá por que, esse olhar meio escudo que não quer o meu álcool forte e sim água Perrier".

Burlesque

2011-02-18T15:11:00.002-02:00

Não dá para analisar com os mesmos dispositivos teóricos e/ou subjetivos toda peça artística. Ou seja, cada obra é única e requer do pretenso analista, comentarista, crítico... um olhar desautomatizado e virgem.
Dito isso, preciso dizer que o filme Burlesque, dirigido por Steven Antin, é mais do mesmo: uma mistura de Chicago, Cabaret e Show bar feita para Christina Aguilera dar pinta e mostra toda a sua ineficiência como atriz. Claro que, ao tratar de temas próximos, as referências aos filmes anteriores têm alguma justificativa, mas as soluções dadas a Burlesque são tolas.
Cher está cada vez mais Cher, apesar da voz. Cam Gigandet aperta tanto a testa e os olhos, a fim de expressar alguma emoção, que repete a superficialidade de suas aparições na série Crepúsculo. E o excelente Stanley Tucci dá continuidade ao papel que representou em O diabo veste Prada.
Sim, há uma estética camp bacana, mas o clima burlesco é sensivelmente falso: os diálogos são clichês mal aproveitados e a trilha sonora tem sérios problemas de adequação às ações.
As cenas de palco, que poderiam salvar o filme, soam tão descoladas do todo que não empolgam.
Enfim, em Burlesque, o descompromisso com verossimilhanças, que poderiam resultar em entretenimento e diversão, cansa a boa vontade do espectador.

127 horas

2011-02-16T13:34:00.005-02:00

Em 127 horas James Franco prova - para quem ainda tinha dúvidas - que é um competente ator. A fluidez com que ele esmiúça o cromatismo da alma da personagem é impressionante.
Humor, febre alucinatória, desejo sexual, fé, desperança... tudo está presente de forma complexa, instigante, prazerosa e desconfortante no filme dirigido por Danny Boyle.
O diretor consegue fazer de uma experiência singular - ficar com o braço preso por uma rocha numa fenda nas desérticas montanhas de Utah - em uma experiência fílmica eletrizante. O espectador não percebe o tempo passar: a sensação claustrofóbica e maçante das tais 127 horas do título ganha fôlego com as pequenas narrativas agregadas à nervura da história.
A fotografia é auxiliada pelo deslumbrante cenário natural de Utah e os jogos de sol e sombra adensam a vivência da personagem. Aliás, o tempo é o tempo interno em que um conjunto de instantes psicológicos - memórias, lembranças, planos... - prendem a atenção do espectador.
Chama atenção a relação entre Ralston (James Franco) e a água que carrega na mochila: quanto mais escassa a água, mais a personagem mergulha dentro de si, lutando para manter a lucidez. As limitações de mobilidade física são compensadas por excelentes ângulos.
Diretor de Trainspotting e Quem quer ser um milionário, em 127 horas Danny Boyle chega na fronteira da espetacularização do acontecimento: aliás, é este limiar que torna 127 horas um grande filme: cru (algumas pessoas podem se chocar com a carne - literalmente - viva e exposta) e ao ponto; agridoce - feito para James Franco brilhar.

Um parto de viagem

2011-02-14T16:38:00.001-02:00

Um parto de viagem é uma colcha de retalhos: para o bem e para o mal.
Para o mal porque o espectador passa grande parte do filme com a nítida sensação de já ter visto aquelas situações em algum outro filme. E é verdade: viu sim.
Para o bem porque é na manipulação do deja vu que o diretor Todd Philips trabalha a competência criativa e dramática do filme.
Obviamente, depois do ótimo Se beber não case, a expectativa sobre Um parto de viagem era grande, ainda mais pela presença de Robert Downey Jr. e Zach Galifianakis no elenco.
Um parto de viagem ilumina a boa química entre os dois atores: aliás, Philips é mestre em trabalhar a camaradagem - de forma bem humorada - entre homens.
A base é um clássico road movie em que indivíduos bem diferentes precisam aprender a conviver para sobreviver à viagem: com cada um dando uma parcela de si e modificando comportamentos.

Oficina de poesia com Antonio Cícero na UERJ

2011-02-14T13:39:00.002-02:00

Rita Ribeiro

2011-02-12T14:26:00.009-02:00

Rita Ribeiro
7 anos de Tecnomacumba
11/02/2011
Vivo Rio

Moska

2011-02-10T22:18:00.007-02:00

Moska
10/02/2011
Parque Garota de Ipanema
Arpoador

Mart'nália

Tulipa Ruiz

Maria Gadú

Tio Boonmee

2011-02-10T13:44:00.002-02:00

Tio Boonmee, que pode recordar suas vidas passadas é um ensaio sobre a morte; ou uma preparação para ela. O diretor tailandês Apichatpong Weerasethakul se permite viajar pelo tempo de estio que antecede a morte da serena personagem título, cujo desejo íntimo é entregar-se às imposições do tempo.
Cenas longuíssimas e tomadas lentíssimas radicalizam a sensação de que Tio Boonmee não é um filme comum, destes que enchem as salas de cinema. O tempo do filme é o tempo da depuração da personagem que decide passar seus derradeiros sopros de vida na floresta, rodeado pela família.
Perto do final da sessão, o sobrinho foge do monastério e diz: - Lá é tudo muito calmo, sem internet, nem rádio. Ao que a tia responde: - Talvez você não tenha sido feito para aquele lugar. Eis a conclusão metaficcional que o diretor nos oferece: somos feitos para a morte? ou, menos, para quem este filme é feito?
Tio Boonmee não é um filme feito para o espectador acomodado, muito embora seus clarões algo psicodélicos embelezem as vistas de quem assisti. Mas para provocar o pensamento sobre o início, o fim e o meio da existência.
No filme, sagrado e profano convivem em harmonia, há sublimidades no mundo. Afinal, como diz a esposa (morta) de Tio Boonmee: "o céu é superestimado". A cena em que uma princesa faz sexo com um bagre é um ritual real e fantástico de pura sofisticação cênica.
Tio Boonmee não é um filme fácil e exatamente por isso - por exigir muito do espectador - é um filme imprescindível nestes tempos em que tudo parece acontecer fácil demais, quando parecemos incapazes de cuidar do que possuímos.

Tetro

2011-02-09T13:25:00.003-02:00

O filme Tetro dirigido por Francis Ford Coppola é um novelão, um romanção: tudo gira em torno da história do irmão que não é irmão é pai.
Coppola faz uso de vários artifícios do romance clássico para prender, com eficácia, a atenção do espectador. A todo instante, somos brindados com sublimes torneios no curso da vida das personagens.
Tetro conta uma história - algo considerado impossível de ser feito nos dias de hoje. A trama repleta de citações - principalmente da Ópera - que envolve as personagens do excelente ator Vincent Gallo e de Alden Ehrenreich (que lembra muito - físico e gestos - o jovem Leonardo DiCaprio) é tratada em formato pouco usual, em tempos de narrativas fragmentadas e inconclusas.
Coppola conta uma história com imagens. Imagens que se desdobram ora no espelho estrategicamente deixado na sala do apartamento de Tetro (Vincent Gallo) e Miranda (Maribel Verdú), ora nas sombras que "falam", ora na ida das personagens a Patagonia, ao frio, ao branco total: à verdade?
A fotografia é um deslumbre: o real é preto e branco, enquanto a memória e a imaginação são coloridas. A luz, que vez ou outra deixa o espectador cego diante da profusão de luminosidade, é uma personagem a parte: ou melhor, a luz é, de fato, o narrador do filme.
Tetro investe nas excessivas e dolorosas pequenas tragédias íntimas das personagens para criar no espectador um gozo estético.
A frase pichada em um muro qualquer de Buenos Aires (mais precisamente no belo El caminito de La boca) - NO SUELTES LA SOGA QUE ME ATA A TU ALMA" (Não solte a corda que me prende à sua alma) -, dada ao público nos primeiros minutos do filme, é a condensação exata dos afetos em carne viva engendrados em Tetro.

O turista

2011-02-08T18:37:00.004-02:00

Além de servir para Angelina Jolie evoluir no que ela sabe fazer de melhor - carão -, O turista amplia a já conhecida competência de Johnny Depp. Apesar dele não deixar de ser ele mesmo - como sempre - Depp conseguiu amenizar em muitos tons a caricatura que criou para si.
O turista é um desfile de belezas - atores e cenário: Veneza - e por isso mesmo deixa escapar uma sutil, mas atenta, discussão sobre aparência e profundidade.
Isso é condensado nas inúmeras plásticas que a personagem principal fez - não, não ficamos sabendo como ela era antes das intervenções cirúrgicas -, mas também pode ser percebido nos afetos que se confirmam ao longo do filme e vão além da pele.
Quando o filme terminou disse a mim mesmo: - O turista é um desfile de belezas: para o bem e para o mal.
Só assim pude sobreviver à baixa de tesão diante da previsibilidade do final.

Cisne negro

2011-02-07T11:38:00.003-02:00

Apoiado em uma trama forte e rica de possibilidades, Cisne negro não consegue o mergulho que insinua. O filme tem um roteiro que abre várias perspectivas. Porém, nenhuma delas se complexifica de fato, nem tem funcionalidade dentro do todo fílmico.

Nas cenas de balé, por exemplo, os closes busto-e-rosto tentam esfumaçar do despreparo corporal (para a dança) de Natalie Portman: como personagem principal, suas cenas de dança simplesmente não existem - falta a presença do corpo, dos pés - e cansam o espectador que espera alguma grande cena de dança.
Aliás, a atriz não consegue imprimir força ao jogo "real versus imaginação" e as tênues mudanças de personalidade - provocadas por interessante histórico de perfeccionismo dado ao público em flashs - que a personagem Nina exige, ficando a cargo dos maquiadores, diretor de fotografia, movimentos de câmera e trilha sonora oferecer alguma carga dramática.
O roteiro é bom, segue a rotineira progressão das experiências. Mas a ferrugem psicológica que corrói a personagem por dentro é dada gratuitamente, sem esforço real.
Não restam dúvidas de que Cisne negro é um filme feito para concorrer a prêmios - as cenas forçosamente apoteóticas provam isso -, porém, não resiste a uma análise mais detalhada de suas partes.

De pernas pro ar

2011-02-03T16:18:00.004-02:00

Tentando fugir do calor do verão carioca entrei no Odeon e finalmente assisti ao filme De pernas pra ar.

Com cenas rápidas e diretas, numa relação de inteligência e afeto com o público, De pernas pro ar mantém o ritmo do começo ao fim.
Há cenas inimagináveis que só uma atriz com diversos recursos poderia compor tão bem.
Entre elas, o momento em que, acidentalmente, usando uma calcinha que vibra ao ritmo da música, Alice (Ingrid Guimarães) precisa ir ao jogo de futebol da escola do filho. A cena é impagável e antológica.
Ingrid Guimarães está esplêndida. O elenco em total equillíbrio com o objetivo do filme. A direção conseguiu tirar o melhor da competente atriz. E a história é imperdível: muito razão, mas muita sensibilidade.
Tem tudo para ganhar uma refilmagem hollywoodiana, o difícil sai ser conseguir superar a potência cênica de Ingrid.

Brega S/A

2011-02-02T13:05:00.004-02:00

Enquanto a reflexão sobre direitos autorais se complexifica nas discussões intelectuais
- enquanto donos de loja de disco choram pela perda do "glamour do objeto CD" -,
o documentário Brega S/A, de Vladimir Cunha e Gustavo Godinho,
aponta que questões como pirataria e sociedade
ultrapassam o espaço do artístico
e desembocam em necessidades básicas do indivíduo.

O doc Brega S/A esmiúça o tecnobrega e a cena sonora do Pará.

Ao final da sessão resta uma pergunta de gosto amargo :
Se todos precisamos de canção
- este objeto de desejo e de necessidade -
de quem é a canção?

Marcelo Jeneci

2011-01-11T13:26:00.009-02:00

Marcelo Jeneci
Feito pra acabar
10/01/2011
Teatro Casa Grande
Laura Lavieri

Laura Lavieri
Tulipa Ruiz

Marcelo Camelo

Os sons de 2010

2011-01-03T12:12:00.005-02:00

Uma lista aleatória dos discos que (me) tocaram em 2010
e que continuarão (me) tocando em 2011 e além.

Visagem

Cabruêra
Manter-se inventivo e luminoso não é tarefa fácil,
mas o Cabruêra prova que é possível.

Diminuto
Carlinhos Brown
Eis o disco mais orgânico de Carlinhos.
Mostra um Brown caminhando feliz pela canção.

Música de brinquedo
Pato fu
O inusitado registro de canções conhecidas,
sob a batuta de instrumentos de brinquedo.

Do amor
Do amor
Uma condensação animadora
de cancionistas motores da nova híbrida canção.

Fé na festa
Gilberto Gil
Releitura amorosa das noites frias de junho.
Aquece os corações em tempos líquidos.

Feito pra acabar
Marcelo Jeneci
Marcelo mostra que é possível trilhar caminhos próprios,
sem exorcizar o passado, pelo contrário, dialogando com ele.

Religar
Leo Cavalcanti
Talvez o disco mais estranho e desconfortante, porque ousado, de 2010.
Leo faz o pensamento dançar: desestabilizando o ouvinte.

Extravaganza
Sílvia Machete
Sílvia assume sua verve de cantora em um disco bem cuidado
e com repertório feito para sua persona tropical.

Lado B
Yamandú e Dominguinhos
Um encontro arrebatador de dois cancionistas inspirados.

Bicicletas, bolos e outras alegrias
Vanessa da Mata
Quente e terno como um bolo saído do forno da avó.
O flerte com o tecnobrega é uma delícia.

Amigo do tempo
Mombojó
O disco absurdamente lindo, comovente e alegre,
apesar da dor que vaza em cada canção.

Passageiro
Rodrigo Maranhão
Confirma o desejo de Rodrigo em firmar uma assinatura.

Hoje
Carmen Miranda
Um disco que emociona por mostrar
a atualidade do repertório de Carmen.
Um libelo de esperança sobre a mediocridade
e o politicamente correto estagnadores.

Sabiá Marrom
Alcione
Só mesmo o competente Rodrigo Faour
para nos presentear com um disco
feito com "o samba raro" desta diva da canção.

Quando fevereiro chegar
Uma lírica de Fausto Nilo
Interpretações tão diversas
e boas quanto a obra do homenageado.

O poeta da cidade
Martinho da Vila
No ano do centenário de Noel Rosa,
este disco resultou na melhor celebração da obra.

Natal

2010-12-23T13:18:00.002-02:00

Agora sim, já é natal:
desejo que cristãos e não cristãos
encontrem o respeito mútuo necessário
à convivência feliz entre as diferenças humanas.

Entre outros

2010-12-07T17:35:00.004-02:00

Entre outros, vi por estes dias:

Filme = Comer, rezar, amar = Uma viagem ao simples; à beleza da calma. Surpreendi-me gostando muito do que via durante a sessão.
Filme = Red = Atuações impagáveis de um elenco estrelar e competentíssimo. Ação e humor em casamento feliz.
Filme = Minhas mães e meu pai = Um bom sessão da tarde, com o que há de mais conservador nas relações afetivas, mesmo as gays.
Filme = Abutres = Precisão cirúrgica, crua, na abordagem do incômodo tema matriz.
Filme = Os outros caras = Muito bom perceber a evolução de um ator. E a dupla Mark Wahlberg e Will Ferrell rende bastante.
Filme = A rede social = Não há quase nem uma intervenção ficcional, o que limita a complexificação motivacional das personagens (reais).
Teatro = Comédia Russa = A harmonia do elenco é contagiante. A encenação foge do lugar comum e brinca com as possibilidades do ótimo texto.
Teatro = Kafka = Texto interessante, mas com sérios problemas de direção. A redundância talvez seja o maior problema.
Teatro = Fuerza bruta = Uma mistura de rave, happening, teatro, acrobacia... que tira o espectador do eixo.
Teatro = Mais respeito que sou tua mãe = Claudia Jimenez sempre impecável, dona da cena, mas acompanhada por competentes companheiros de ofício.
Teatro = Pterodátilos = O elenco é afiadíssimo. O texto é um absurdo de bom. A encenação é espetacular.
Teatro = A garota do biquini vermelho = A homenagem a Sonia Mamede é mais do que louvável, é imprescidível, mas falta glamour.
Teatro = A casa de Bernarda Alba = O poder de um texto bem escrito atravessa épocas e se mantem vigoroso. Aliado à boa montagem (atuações, figurino, cenário...) resulta em um espetáculo digno deste adjetivo.
Teatro = Maria do Caritó = Como nordestino, estou cansado de ver grosserias com nossa contribuição cultural. Maria do Caritó é comovente, ri e me emocionei algumas várias vezes. A sutileza e o cuidado com o humano das personagens são de uma precisão difícil de ser vista hoje em dia.
Teatro = Os homens são de marte e é para lá que eu vou = A empatia é rápida, muito pela simpática Mônica Martelli. O desenvolvimento da personagem fica muito próximo das questões nossas cotidianas.

Bebel Gilberto

2010-12-03T10:35:00.007-02:00

Bebel Gilberto
Circo Voador - RJ
02/12/2010

Zeca Baleiro

2010-12-01T19:27:00.004-02:00

Zeca Baleiro
Largo da Carioca - RJ
30/11/2010

Otto

2010-11-28T16:26:00.006-02:00

Otto
Arcos da Lapa - RJ
27/11/2010

Céu

2010-11-28T16:21:00.002-02:00

Céu
Arcos da Lapa -RJ
27/11/2010

Convite

2010-11-19T13:02:00.002-02:00

Dia 24, no bar Terraço Brasil, em João Pessoa-PB,
a partir das 19:00h, será lançado o livro
Muitos: outras leituras de Caetano Veloso,
organizado por Amador Ribeiro Neto.

Assino dois ensaios do livro:
Os mundos no mundo caetânico
e Caetano Veloso e o samba que Zera a reza.
No primeiro exploro o diálogo com a tradição
e no outro a relação com a concretude da linguagem.

Convite

2010-11-19T12:48:00.003-02:00

Dia 24, a partir das 19h, Rodrigo Faour estará na Livraria da Travessa de Ipanema, no Rio, lançando o livro, “A bossa sexy e romântica de Claudette Soares”, da Coleção Aplauso, da Imprensa Oficial do Estado de SP.

Além de fartamente ilustrado, o texto traz informações preciosas da cultura musical brasileira dos anos 50 a 70, especialmente. Claudette se destaca até hoje por ser uma artista com ótimo repertório, que nunca se vendeu à indústria, e foi uma mulher que esteve no epicentro de vários movimentos importantes da música brasileira – o auge do baião, a pré-bossa nova, a bossa nova propriamente dita e os festivais da canção -, além de ter sido uma mulher à frente de seu tempo, na vida artística e pessoal.

E o melhor: o livro custa apenas 30 pratas, apesar de ser um livro lindo, uma edição de luxo: grandão, 280 páginas, e com fotos em quase todas as páginas!

Lana Bittencourt

2010-11-17T09:28:00.008-02:00

Lana Bittencourt
Teatro Rival
16/11/2010

Dionisíacas

2010-11-16T13:15:00.012-02:00

DIONISÍACAS
TEAT(R)O OFICINA UZYNA UZONA
Terreirão do Samba - RJ
(13, 14, 15/11/2010)

Estrela brazyleira a vagar: Cacilda!!

Bacantes

O Banquete

Sílvia Machete

2010-10-19T12:48:00.008-02:00

Palco MPB
Teatro Rival 18/10/2010

Saldo do Festival do Rio 2010

2010-10-08T13:51:00.023-03:00

Ney Matogrosso, sua trajetória artística,

é a personificação do ar vanguardista do filme.

Eu esperava um mergulho mais vertical
nos labirintos de uma personagem tão complexa.

Não acrescenta nada às outras montagens.

Lida com os clichês do universo masculino,
desconstruíndo desejos.

Anti herói, politicamente incorreto,
Machete é nossa salvação (rs).

Explora os limites da inveja
e do modelo de "bem viver".

Delírio implosivo
do esteticismo contemporâneo.

Doc comovente.
Básico em qualquer videoteca.

Tipo sessão da tarde.
Vale pela temática pouco explorada.

Olhar estrangeiro sobre
nosso dioniso da canção.

Belo e urgente.
Fotografia linda: de encher os olhos.

Bom suspense recheado
de crueldade e fundamentalismo.

TOCA-LIVROS

2010-10-05T12:20:00.005-03:00

TOCA-LIVROS

Encontros sonoros na biblioteca da música popular brasileira

OI FUTURO
(r. Visconde de Pirajá, 54 - Ipanema)

12/10 - Tim maia por Nelson Motta
13/10 - Titãs por Hérica Marmo e Luiz André Alzer
26/10 - Blitz por Rodrigo Rodrigues
27/10 - Paralemas do sucesso por Jamari França

CAIXA CULTURAL
(av. Almirante Barroso, 25 - Centro)

09/11 - Cauby Peixoto por Rodrigo Faour
10/11 - Noel Rosa por João Máximo
16/11 - Dorival Caymmi por Estela Caymmi
17/11 - Maysa por Lira Neto
30/11 - Gonzagão e Gonzaguinha por Regina Echeverria
01/12 - Wilson Simonal por Ricardo Alexandre
14/12 - Chiquinha Gonzaga por Edinha Diniz
15/12 - Elza Soares por José Louzeiro

19h30
ENTRADA FRANCA

mais informações:
www.tocalivros.com.br
twitter.com/tocalivros